Silvia Santirosi (Testi e illustrazioni)

"LA MIA CARRIERA DA ONESTO DISEGNATORE"

2012-02-16T18:01:00.000+01:00

Solo due parole.

Questa intervista mi è valsa la prima accusa di faziosità della mia carriera. Bene. Significa che sto seguendo la strada giusta, visto il pulpito da cui proviene la predica...

TRASFORMARE IL DOLORE

2012-02-05T20:23:00.000+01:00

"Così è la vita, l'ultimo volume di Concita De Gregorio"

(Via Pò, 4 febbraio 2012)
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JE, FRANCOIS VILLON

2012-02-03T15:32:00.001+01:00

Vendredi 3 Février 2012 à partir de 19h

LA LIBRERIA 

89, rue du Fbg Poissonnière  75009 Paris 

Présentation-dédicace

 Luigi Critone

Rencontre animé par Silvia Santirosi et Philippe Peter

Où l'on retrouve à la Libreria, Luigi Critone (qui était déjà venu en décembre 2010, avec quelques uns de ses compères de la BD italienne installés à Paris, pour nous présenter "Les Sept Missionnaires" conçu avec le scénariste Alain Ayrolles et paru chez Delcourt)! Et cette fois, Luigi s'attaque à un personnage des plus mystérieux et fascinants, un ragazzaccio génial, le poète François Villon. Il adapte le roman biographique, noir et cruel, de Jean Teulé, sorti en 2006 et en fait une mise en image absolument splendide!

Nous vous invitons à cette soirée rencontre-signature qui sera présentée par Silvia Santirosi, journaliste, écrivain et illustratrice, et par Philippe Peter, journaliste à France Soir.

Et la soirée se termine par un verre bien sûr!

CHIMERA: IL MIO VIAGGIO SENZA FINE. INTERVISTA A LORENZO MATTOTTI (L'Unità, 23 gennaio 2012)

2012-01-23T21:33:00.001+01:00

Il treno: un'intervista

2012-01-19T09:05:00.000+01:00

Di solito sono io che faccio le domande...stavolta però sono passata dall'altra parte! Un ringraziamento speciale a Davide Calì per avermi dato la possibilità di parlare del MIO PRIMO LIBRO (appunto) che presto uscirà in Italia e Francia...

Chiara Carrer per Il treno (Logos 2012)

Ho incontrato Silvia la prima volta due anni fa al Salone del libro di Montreuil. All'epoca faceva la giornalista e in effetti la fa ancora. Ma nel frattempo, ecco il suo primo album illustrato come autrice.

D: Innanzi tutto raccontaci un po' di te, cosa fai e cosa hai fatto prima di questo libro?
R: Mi piace presentarmi così: giornalista, scrittrice, a volte illustratrice (soprattutto per copertine e editoriali)...tutta colpa della laurea in Filosofia! Trovo che metta in evidenza la caratteristica che più mi qualifica, ossia l'eclettismo (un modo carino per mascherare la mia schizofrenia!). Tornando seri per quanto questa pazza società lo permetta, collaboro con diverse riviste (L'Unità, L'Espresso, Andersen e Il Mattino), scrivo storie per bambini, racconti per adulti e poesie. E la pubblicazione di questo libro rappresenta certamente una tappa importante nel mio percorso.

D: E' il primo libro che scrivi?
R: Due anni fa è uscita una raccolta di poesie (Istantanee, Edilet). Avevo già pubblicato dei racconti su diverse riviste e collaborato con alcuni sceneggiatori. El tren è il primo albo illustrato. Presto uscirà in Italia (per la Logos) e in Francia, seguito a breve da un racconto illustrato da Simone Rea (per Anicia Ragazzi).

D: Come è avvenuto il contatto con l'editore? E con l'illustratrice Chiara Carrer? È stata una tua scelta o dell'editore affiancarla a questo testo?
R: Avevo incontrato la direttrice artistica della OQO al Salone di Montreuil. Quando sono stata invitata a spedire le mie storie, non me lo sono fatto ripetere due volte. Solo che il primo invio non ha prodotto nulla. Qualche mese dopo ho ritentato. Stavolta è bastata una settimana per avere notizie: la storia è difficile, leggo nella risposta, ma hanno deciso che vogliono investire in questo progetto. Il testo era accompagnato dalle immagini di un'altra illustratrice che non è stata giudicata adatta, quindi si dovevano cercare altre matite e colori.
Allora ho pensato a Chiara Carrer che avevo conosciuto frequentando uno dei suoi atelier alla Biblioteca Europea a Roma. Ho fatto il suo nome all'editore. Il resto è già storia.

D: Hai incontrato molti editori prima di trovarne uno interessato al tuo progetto? Italiani o stranieri? Come li hai trovati rispetto ai giovani autori, aperti o chiusi?
R: In realtà non molti. All'inizio tutti italiani, alcuni incrociati alla Fiera di Bologna, gli altri contattati via mail. A parte una virtuosa eccezione, nessuna risposta. Ho rivolto lo sguardo altrove e il primo editore contattato mi ha pubblicata!
Qui apro una parentesi e lo faccio in veste di giornalista e da persona che vivendo da un po' all'estero comincia a confrontarsi anche con la realtà lavorativa di quel paese (nel mio caso la Francia). Ripeto, ci sono virtuose eccezioni in Italia, ci sono competenze ed entusiasmi incredibili, ma generalmente vige un atteggiamento poco professionale nel mercato dell'editoria. Eppure questa è solo una parte del problema. L'altra faccia della medaglia è che chiunque scriva o disegni pensa di aver diritto alla pubblicazione.
Non è così. Ci vuole talento e tanto, tanto, tanto studio, lavoro, testa dura. E la fortuna non c'entra nulla. Non so quante persone ho incontrato che pretendevano di essere scrittori senza aprire mai un libro, che non avevano alcun tipo di cultura letteraria (e non parlo di erudizione) e che non sapevano cosa succedeva al di là del loro naso figuriamoci nel resto mondo, letterario o meno! Sicuramente nel nostro paese vige spesso la regola del circolo, della congrega (piccina), atteggiamenti provinciali, appunto, che denunciano una visione miope e scarsamente lungimirante. Però bisogna anche dire che troppo spesso gli editori si trovano di fronte persone tutt'altro che coscienti dei loro limiti e in grado davvero di fare quel lavoro.

D: Sei soddisfatta del risultato? Vedere il libro finito ti ha emozionato?
R: Il libro è il frutto di un anno di lavoro. Non so quanto tempo ho passato al telefono o nella caffetteria del Palazzo delle Esposizioni con Chiara a discutere della storia, o di cosa pensavamo fosse la letteratura, l'arte, confrontandoci su letture, mostre, libri. O semplicemente parlando della nostra quotidianità. Sembrerà banale, ma stringere nelle mani la prima copia mi ha dato la misura concreta di quello che era accaduto. Sono stata felicissima e triste al tempo stesso. Una parte di me, qualcosa che era appartenuto al mio immaginario, aveva preso vita. Forse è un po' come quando si mettono al mondo i figli. Li hai nutriti con il tuo sangue e con la tua aria per nove mesi, ma dal momento in cui emettono il primo urlo, ecco, quello è il suono della sconfitta del potere della madre.
Piccolo aneddoto. La storia nasce da una lettera che scrissi ad una mia amica che aveva realmente vissuto quel dolore. Recentemente ci siamo rincontrate. Sapere che presto ci rivedremo ed io potrò restituirle qualcosa che lei mi ha donato tanto tempo fa...ecco, questo mi lascia piena di meraviglia.

D: A quali progetti stai lavorando al momento?
R: Sto lavorando a un libro (Il serraglio di Monsieur Diderot) con Sara Gavioli, artista che stimo molto e cara amica. Siamo un'equipe in cerca di editore, ma l'ultimo Salone di Montreuil ha prodotto nuovi incontri e aperto qualche spiraglio. Dall'incontro più o meno casuale con altri illustratori stanno nascendo nuovi progetti, ancora uno con Simone Rea, c'è una storia a cui sta lavorando Laetitia Devernay, un'altra Giovanna Ranaldi e un libro con Michele Ferri. Perché tutti vedano la luce, ci vorrà tempo. Ho imparato però che è uno degli ingredienti per una buona riuscita.

D: In generale come autrice vedi già le tue storie disegnate da qualcuno mentre le scrivi?
R: No, non penso mai a un illustratore mentre scrivo. Cerco di lavorare in profondità tanto sui contenuti, quanto sulla lingua. Lewis Carroll diceva: "badate al senso, le parole troveranno da sole il loro posto". Così pure gli illustratori. E finora ha sempre funzionato!

Silvia Santirosi è nata a Roma nel 1981. Laureata in filosofia (2005), è iscritta all'Ordine dei Giornalisti dal 2010. Collabora con L'Espresso, Il Mattino, L'Unità, Andersen e Le conquiste del lavoro.
"El tren", illustrato da Chiara Carrer (OQO Editora), è uscito in Spagna nel 2011. Uscirà nel 2012 in Francia e in Italia (Logos edizioni). In corso di pubblicazione: Capitan Barbabrizzola, illustrato da Simone Rea (Anicia ragazzi, 2012).

Craig Thompson: I fumetti sono spartiti musicali

2012-01-06T16:35:00.001+01:00

(L'Unità, 4 gennaio 2012)
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Gli occhi del colore del cielo in una giornata brumosa, il sorriso accennato a fior di labbra, le parole offerte all’ascoltatore senza fretta: incontriamo Craig Thompson nella sede di Casterman, il suo editore francese, per parlare della sua nuova novel graphic Habibi (Rizzoli/Lizard, pp. 672, euro 35,00), un’opera dalla complessa architettura, un incastro raffinato di storie, punti di vista, di mondi fantastici o meno, un gran calderone in cui con sapienza ed eccentricità si combinano riflessioni ecologiste, sull’amore e sulla calligrafia, a un tentativo di dimostrazione della radice comune delle tre religioni monoteiste. E molto altro ancora. Dopo un veloce scambio di battute di presentazione, entriamo nel vivo della chiacchierata. «Il cuore della storia» ci dice l’autore americano, «è la relazione sentimentale fra Zam e Dodola, dei loro traumi sessuali. La questione che mi interessava indagare era quella di come possono guarire gli individui segnati da esperienze negative. Grazie a una relazione? Un luogo particolare?».

Possiamo allora affermare che la forza dell’individuo è nella coppia?

«Credo che l’individuo debba rafforzare prima se stesso, curarsi se ha avuto dei problemi, prima di arrivare a essere davvero presente in una relazione. Non è possibile tenere insieme due pezzi rotti. Per me è stato più facile scrivere le storie separatamente e raccontare l’attesa dell’uno e dell’altra. Penso che questo stato di cose parli molto alle persone. Il momento più duro da affrontare è stato il momento in cui si sono riuniti. Ho passato mesi senza sapere come la storia si sarebbe conclusa».

«Habibi» può essere considerato un omaggio alle diverse forme d’amore che una donna può incarnare?

«Non in maniera cosciente, anche se sono contento che lei lo abbia percepito. Come uomo certamente non posso che scrivere da un punto di vista eminentemente maschile. Questo lavoro è comunque un libro che cerca di rendere fluidi i confini fra i generi, fra il maschile e il femminile. È lo stesso principio che mi muove nel mio tentativo di dimostrare che non ci sono poi così tante differenze tra le diverse religioni monoteiste».

Crede che ci sia un unico dio per tutti o che dio non esista?

«Sono convinto dell’impossibilità della percezione umana della divinità. Questo però non mi impedisce di avere una spiritualità. Anzi, credo che ogni essere umano sia sacro e questo implica di rispettare ognuno, ma devo ammettere che sono più interessato agli aspetti esoterici ed estetici di quelle religioni».

In «Carnet de voyage» (2004) paragona la danza alla scrittura. Vale lo stesso per il fumetto?

«No. Danzare coinvolge il corpo nella sua interezza, disegnare fumetti solo una piccolissima parte. Tuttavia penso che ci sia una musicalità nel fumetto, e nella calligrafia, ed è proprio questo ritmo tutto speciale che cerco di restituire attraverso il mio lavoro».
Dunque, la musica più che il cinema.

«Certamente. Chris Ware dice che una tavola a fumetti è una specie di partizione, che i disegni sono le note musicali e che è compito del lettore di battere il ritmo. Il disegnatore, attraverso le vignette, non fornisce altro che indizi. Al cinema, invece, tutto il processo viene subito. Le immagini si muovono davanti a noi, mentre durante la lettura di un fumetto niente, letteralmente, si muove. La magia è creata dal lettore».

Visto il successo avuto, ha mai pensato di realizzare un’animazione di «Blankets»?

«Nel 2004 l’idea era stata presa in considerazione, anche se alla fine ho deciso di non dare più seguito al progetto. C’erano alcuni problemi a livello contrattuale ma soprattutto si trattava di una storia i cui personaggi erano reali e alcuni di questi non erano d’accordo».

C’è stato un prezzo che ha dovuto pagare per raccontare questa storia?

«Ho ferito alcune persone che mi erano vicine. Mi sono posto anche il problema se continuare a disegnare fumetti, a fare arte».

Autore completo, lei scrive e disegna le sue storie. Qual è la differenza tra l’immagine e la parola? La prima è più potente della seconda?

«Parole e immagini hanno ciascuna i loro punti di forza e di debolezza. Personalmente non mi sento a mio agio escludendo l’una o l’altra. Quello che è certo è che quando riesco a trovare un equilibrio con entrambe, allora ho l’impressione di avere una certa eloquenza. L’immagine è sicuramente più immediata. Però una sequenza disegnata ha bisogno di più spazio e tempo per trasmettere un’informazione, la stessa che può essere invece contenuta in un paragrafo. A volte la prosa è più efficace, ma anche questo non è sempre vero».

Progetti futuri?

«Sto lavorando contemporaneamente a tre nuovi libri, tra cui un fumetto per ragazzi e il primo tomo di una serie. Dopo un albo così impegnativo, avevo voglia di divertirmi un po’».

Recensioni Andersen

2011-12-30T13:59:00.000+01:00

IL SONNO DELLA RAGIONE

2011-12-18T13:41:00.000+01:00

GIACOMETTI E GLI ETRUSCHI

2011-12-14T09:07:00.000+01:00

(Il Mattino, novembre 2011)

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Si racconta che Alberto Giacometti sia rimasto due ore a contemplare silenzioso la statuetta etrusca, battezzata da Gabriele D’Annunzio come L’Ombra della sera (datata intorno al 350-300 a. C.), nel Museo di Volterra. Il viaggio che lo aveva portato in Italia, sulle orme dell’antica civiltà etrusca (da Firenze a Pisa, da Veio a Volterra appunto), era l’atto finale di una fascinazione iniziata qualche anno prima. Nel 1955, infatti, la visita alla mostra organizzata al dipartimento Antichità e Archeologia del Louvre sull’arte della popolazione centro italica, aveva impressionato così tanto l’artista da spingerlo a ripensare il suo atelier, organizzandolo sul modello di una tomba etrusca. Certamente, poi, mille saranno state le domande che una prossimità così evidente avranno suscitato in lui.

Proprio dalla volontà di rendere esplicita quella che si potrebbe considerare una filiazione diretta o quantomeno un’estrema vicinanza di due estetiche, nasce il percorso dell’esposizione Giacometti e gli Etruschi aperta fino al 2 ottobre alla Pinacoteca di Parigi. Un legame che i visitatori potranno apprezzare grazie al dialogo tra 30 pezzi dello scultore svizzero (tra cui diversi disegni su carta e schizzi sul catalogo della mostra del’55 o su altri libri, nonché alcuni quadri a olio) e 150 oggetti etruschi (anfore, urne cinerarie, vasi, ceramiche, gioielli, sarcofagi scolpiti e statue di diversa grandezza). Ovviamente non poteva mancare l’opera che aveva provocato uno shock così forte in lui. L’Ombra della sera, statua di bronzo dall’aspetto longilineo e filiforme, misteriosa e sensuale con il viso di un bambino che esprime però la saggezza di un vegliardo, rappresenterebbe la divinità chiamata Tèges, il custode dei fondamenti religiosi della spiritualità etrusca. L’aneddoto racconta che fu trovata da un contadino e usata per anni come attizzatoio. Fatto sta che dal 1731, informazione tramandata grazie a una nota lasciata dal prete Anton Francesco Gori, appartiene alla collezione privata di una famiglia aristocratica.

«I confronti» dice Marc Restellini, direttore della Pinacoteca, «sono senza dubbio ciò che c’è di più esaltante per far avanzare la storia dell’arte». Sebbene con una valenza metafisica nel caso di Giacometti, più religiosa per l’anonimo scultore etrusco, in entrambi i casi è la fragilità umana a essere il soggetto della rappresentazione. Solo che passeggiando per le sale, concepite nel rispetto dei quattro periodi della storia etrusca (la villanoviana, l’orientalizzante, l’arcaico e il classico, l’ellenistico), il gigante della scultura del secolo scorso fa la figura del nano: la potenza e la freschezza dei reperti etruschi (talvolta così piccoli da non superare qualche centimetro) sono impareggiabili. Ironia della sorte, quella civiltà così raffinata e moderna (basti pensare al ruolo affatto marginale delle donne nella società), fu sconfitta e condannata all’oblio da un popolo più giovane e più rozzo: quello romano.

Silvia Santirosi

NOTRE FIL ROUGE - PHOTOS

2011-12-06T09:31:00.001+01:00

Un grazie speciale a Francesca e a tutte le ragazze con cui ho condiviso uno spazio, un evento e dei momenti di puro divertimento...

2011-11-29T08:30:00.000+01:00

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NOTRE FIL ROUGE. Exposition collective

De fil en café
87 rue de Paris, Montreuil

2/12/11 – 5/12/11

Una mostra di illustratrici italiane organizzata e allestita da

Francesca Cappellini

in occasione della fiera dell'illustrazione a Montreuil.

Espongono:

Aurora Cacciapuoti – Bianca Bagnarelli – Cristina Spanò – Cristina Storti Gajani – Francesca Capellini – Francesca Ferri – Francesca Viterbo – Giorgia Atzeni – Giulia Guerra – Giulia Sagramola – Ilaria Boscia
Manuela Adreani – Marta Iorio – Sara Gavioli – Sarah Mazzetti – Silvia Rocchi – Silvia Santirosi – Valeria Scricco

CLASSICI, E' L'ORA DELLA RISCOSSA

2011-11-23T23:38:00.000+01:00

ERALDO AFFINATI SU ANDERSEN

2011-11-13T13:34:00.000+01:00

REA, ILLUSTRATORE DA MELA D'ORO

2011-11-10T18:43:00.000+01:00

(L'Unità, 31 ottobre 2011)
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LA VERSIONE DI BARU

2011-11-02T09:35:00.000+01:00

Seconda puntata della mia collaborazione con L'Espresso...sempre fumetti, sempre grandi autori! Baru ho avuto l'onore e il piacere di conoscerlo e intervistarlo a Angouleme. Persona gentile, simpatica, di grande spessore intellettuale. La ruota gira e si torna a parlare, a riflettere insieme.

(Un grazie speciale a P. per essere un pò la causa - indiretta - di tutto questo. E a M. che stamattina mi ha fatto la sorpresa di spedirmi il pdf! W gli amici informatici!!!)

L'INVENTION DE L'OEUVRE

2011-10-27T04:44:00.000+02:00

(Il Mattino, settembre 2011)
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Cosa può nascere dal confronto tra un centinaio di opere di Auguste Rodin e una trentina di lavori di artisti moderni e contemporanei (tra i quali ricordiamo Jean Arp, Alberto Giacometti, Joan Mirò, Eduardo Paolozzi o Bruce Naumann)? Come il cortocircuito che si innesca può arricchire, modellare lo sguardo dell’osservatore? Sembrano essere queste le domande che sottintendono l’allestimento della mostra L’invention de l’oeuvre. Rodin et les ambassadeurs, aperta al pubblico fino al 4 settembre al Musée Rodin di Parigi. Organizzata senza alcuna intenzione di ricostruzione storica, piuttosto ispirata dalla volontà di indagare come la sua opera abbia influito su quelli che l’hanno studiato e preso a modello, la mostra riesce bene nel tentativo di restituire la tensione tra l’interpretante e l’interpretato ricostruendo con precisione il contesto artistico e critico che va dalla seconda metà del XX secolo fino ai nostri giorni. Il percorso espositivo si organizza intorno a undici temi, undici denominatori comuni come modellare, pelle, riprodurre, figure parziali, assemblare. Peccato solo che lo spazio sia un po’ troppo angusto, con una mancanza di respiro tra le sculture che finisce per penalizzare la visita.

Ma entriamo nel dettaglio. In Figures Partielles (Figure Parziali) sono ad esempio messe in relazione le sculture L’homme qui marche (L’uomo che cammina) o Iris a due immagini della serie fotografica Every One di Sophie Ristelhueber, realizzata per denunciare gli orrori della guerra nella ex-Jugoslavia. Quello che risulta evidente in entrambi i casi è la presa di distanza dall’ideale classico del “Tutto”, considerato come meta da raggiungere. Omettere diventa, quindi, un altro modo per affermare: la carica erotica della scultura rappresentante Iris non subisce alcuna alterazione dal fatto che l’osservatore si trova davanti a una donna senza testa. Anzi. E, nel caso del lavoro della fotografa francese, focalizzare l’attenzione su una parte (le cicatrici sui corpi martoriati di uomini e donne) escludendo volti, pezzi di braccia e gambe, finisce per esacerbarne la forza. Che dire ancora delle Séries et Variations (Serie e Variazioni) che mettono in scena il dialogo fra il Diary of Clouds (Diario delle nuvole) dello svizzero Ugo Rondinone e i numerosi studi dell’artista francese sul viso di Clemenceau? Lo stesso spirito critico della serialità, uno dei tratti specifici della modernità, anima entrambi i lavori. Il paradosso tra la permanenza della scultura e l’incessante mutamento delle nuvole e delle espressioni o dei tratti somatici (soprattutto i baffi del “Tigre”) dell’uomo politico, bene rappresenta l’eterno mutamento delle cose e l’impossibilità di raggiungere la compiutezza e la perfezione. Tra gli accostamenti più riusciti, quello tra La vestaglia di Balzac e la Pelle del pianoforte di Joseph Beuys. Il contrasto fra interno ed esterno si annulla per lasciare spazio a un dispositivo più globale e la superficie diventa segno di qualcos’altro: il genio creatore dello scrittore nel primo caso, un oggetto nel secondo.

Silvia Santirosi

RACCONTI

2011-10-20T18:11:00.000+02:00

Questo non è il primo racconto che pubblico, ma il primo pagato! Ho quasi voglia di incorniciarli quei soldi...
Buona lettura.

VITA E MORTE DI UNA CIVILTA': COSI' I MAYA CONQUISTANO PARIGI

2011-10-16T09:02:00.000+02:00

(15 settembre 2011)
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Le civiltà nascono, si sviluppano entrano in crisi e il più delle volte scompaiono, lasciando il posto a nuovi popoli o venendo inglobate in nuove organizzazioni umane, spesso meno raffinate ed evolute. Ecco che la mostra Maya. Dall’alba al crepuscolo, visitabile fino al 2 ottobre al Musée Quai Branley di Parigi, permette proprio di seguire l’intero arco vitale di questa società precolombiana che continua ad affascinare studiosi e semplici appassionati, focalizzandosi su una regione specifica, ossia l’odierno Guatemala non a caso definito il cuore del mondo Maya.

«La fine di una società antica» si legge su uno dei pannelli distribuiti lungo il percorso dell’esposizione realizzato in collaborazione con il Museo National de Arquielogìa y Etnologia du Guatemala, «non significa affatto la fine della sua grande tradizione: la sua cultura, la sua visione del monde, la sua etica, la sua letteratura. Testimonia il declino rapido o della disintegrazione di un sistema politico ed economico complesso, proprio di un periodo e di alcune regioni specifiche». È in quest’ottica che sono state aggiunte nell’ultima sezione delle foto e un video della società guatemalteca contemporanea, per testimoniare la sopravvivenza culturale di alcune pratiche e credenze mitologico-religiose antiche nei culti praticati ancora oggi dai 23 gruppi linguistici che costituiscono il popolo maya, nei loro vestiti dai colori vivi e nei sontuosi costumi cerimoniali.

Un’occasione unica, quindi, per tuffarsi nella scienza di questo popolo, unico inventore tra le società precolombiane di un sistema di scrittura a geroglifici: da quella matematica a base centesimale, caratterizzata dall’introduzione dello zero rappresentato da una conchiglia, a quella astronomica con un calendario che presenta un ciclo di 52 anni, formato dalla combinazione di due cicli di diversa durata, uno di 260 giorni, l’altro di 365 attraverso i quali i Maya riuscirono a prevedere alcuni fenomeni naturali, come eclissi di sole o luna oppure stagioni di pioggia, su cui si basarono per determinare i tempi propizi per seminare, cacciare o fare la guerra. Per non parlare poi della sapienza artigianale, soprattutto nelle arti plastiche. Un viaggio affascinante, insomma, attraverso i tre principali periodi della sua storia preispanica, quello Preclassico (dal 2000 a. C. al 150 d. C.), quello Classico (dal 250 d.C. al 1000 d. C.) e Postclassico (dal 1000 d.C. al 1524 d. C.). Tra i più di 160 pezzi esposti provenienti da tre regioni (le Terre Alte, le Terre Basse e la costa pacifica), alcuni dei quali mai usciti dal loro paese d’origine o frutto di recenti scoperte nel Bacino del Mirador (a nord del paese), si possono ammirare ceramiche dipinte, pietre scolpite, urne cinerarie, vestigia architettoniche, gioielli di giada di rara eleganza o le cosiddette eccentricità in selce, armi dalle strane forme e fattezze cariche di significati simbolici.

Silvia Santirosi

ADIOS MUCHACHOS E FRATELLI ALLA LIBRERIA ITALIANA A PARIGI

2011-10-11T16:47:00.001+02:00

Vendredi 14 octobre 2011 à partir de 19h

Présentation-dédicace avec 3 auteurs de BD

 LA LIBRERIA 89, rue du Fbg Poissonnière  75009 Paris 

Alessandro Tota, Paolo Bacilieri et Matz

La saison automnale de la Libreria est décidément très bande-dessinée! Nous ne nous en plaignons pas, la France et Paris ont la chance d'attirer beaucoup d'auteurs extrêmement talentueux! Les deux albums qui seront présentés ce vendredi sont de parfaits exemples du mélange des genres que l'on aime: dessins, littérature, questionnement générationnel, émotions, la grande et la petite histoire...

Silvia Santirosi, journaliste spécialiste de la bande dessinée à l'hebdomadaire italien l'Espresso, sera notre guide éclairée lors de cette soirée.

Alessandro Tota

Fratelli

Editions Cornelius / Coconino Press

Paolo Bacilieri et Matz

Adiós Muchachos

Editions Rivages/Casterman/Noir

ANDERSEN #2

2011-10-09T11:23:00.000+02:00

Ancora qualche recensione pubblicata su Andersen...Buona lettura!

UNA RABBIA TROPPO A LUNGO FRENATA

2011-10-02T17:23:00.000+02:00

(Via Pò, 1 ottobre 2011)
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ANDERSEN

2011-10-01T12:53:00.000+02:00

TUTTE LE PAURE DI GARMANN

2011-09-20T09:59:00.000+02:00

(L'Unità, 19 settembre 2011)
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SPIEGARE LE TWIN TOWERS A CHI ANCORA NON ERA NATO

2011-09-12T10:12:00.000+02:00

(L'Unità, 11 settembre 2011)
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ANDERSEN

2011-09-08T10:29:00.000+02:00

Questa lettera è per quando sarai adulto

2011-09-05T10:39:00.000+02:00

(L'Unità, 4 settembre 2011)
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Renzo Piano et la citadelle d'Amiens

2011-08-23T14:15:00.000+02:00

(Il Mattino, 23 agosto 2011)
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È Renzo Piano ad essersi aggiudicato il progetto di riqualificazione e riconversione in polo universitario della cittadella militare d’Amiens. Lo ha annunciato qualche tempo fa Gilles Demally, sindaco della città nonché presidente di Amiens Metropole e della giuria del concorso “Citadelle d’Amiens”. Già l’estate scorsa erano stati scelti quattro progetti tra i settantadue selezionati: quelli di Dominique Perrault, Francis Soler, Jean Nouvel e Renzo Piano, appunto. Ulteriore scrematura all’inizio di quest’anno: non restavano che gli ultimi due nomi, su cui l’ha spuntata alla fine l’architetto italiano.

Prima di parlare del progetto, ecco qualche curiosità sulla capitale della regione della Piccardia, nel nord della Francia. Amiens ospita Notre-Dame d’Amiens che con i suoi 7000 m2 di superficie è la cattedrale gotica più grande della Francia, nel cimitero cittadino riposa lo scrittore Jules Verne e il suo Circo Stabile, costruzione poligonale su 16 lati inaugurato nel 1889 e progettato da Émile Ricquier (un allievo di Gustave Eiffel), fu utilizzato come scenografia da Federico Fellini nel 1970 per il suo film I clowns.

Tornando al cantiere, i lavori saranno condotti in due diverse fasi. Cominceranno nel 2012, avranno una durata di 8 anni e un costo totale di 163,3 milioni di euro. Per lungo tempo la cittadella è stata un ostacolo per l’urbanizzazione moderna della città verso nord a causa della topografica complessa del sito, le varie costruzioni presenti, il carattere difensivo dell’intera zona e la trama caotica delle strade. Tutto il contrario della parte sud della città, più omogenea, con un impianto convergente verso la cattedrale. Lasciata dall’esercito nel 1993 e acquistata dal comune alla fine degli anni Novanta, verrà dunque trasformata in un polo universitario capace di accogliere circa 8.000 studenti. Il progetto non prevede l’abbattimento delle costruzioni presenti (come la dimora del Governatore, le caserme o le scuderie), ma la loro riconversione, il fine non è solo quello di ridare vita e una nuova funzione alla cittadella mantenendo però inalterato il suo isolamento, ma di farne un punto aperto e di riferimento per tutti gli abitanti. L’antica piazza d’armi insomma non sarà solo il centro nevralgico del nuovo polo universitario. «Tutto ruota intorno a una piazza» si legge nella presentazione del progetto dell’architetto genovese. «Era una piazza d’armi che diventa un luogo di incontro e di scambio, di condivisione, nel quale differenze si stemperano, le esperienze si mescolano e le paure scompaiono». La ristrutturazione delle quattro porte permetterà di realizzare dei collegamenti tra il centro villa e le periferie al momento isolate. Più in generale, il cantiere renderà possibile la cancellazione delle cicatrici lasciate dall’urbanizzazione degli anni Sessanta e una riqualificazione turistica e ambientale dell’intera area creando passeggiate sulla sommità degli antichi bastioni o nei fossati.

Silvia Santirosi

LIBERATORE: "QUANDO DISEGNO VADO IN TRANCE"

2011-08-12T12:22:00.001+02:00

(L'Unità, 11 agosto 2011)
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E mi hanno letto anche su Pagina3 di Radio3!!!
Per ascoltare: QUI.

L'AFFAIRE UDERZO: IL PAPA' DI ASTERIX TRA GRANE FISCALI E PARENTI SERPENTI

2011-08-09T13:14:00.000+02:00

(L'Unità, 30 giugno 2011)
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2011-08-03T18:23:00.000+02:00

L’Osservatorio permanente sul dopo sisma invita artisti italiani e stranieri a partecipare ad una mostra-concorso dal titolo “La Satira Investe nella Ricostruzione”. Il tema è la gestione dei fondi stanziati per le ricostruzioni seguite agli eventi sismici che hanno colpito l’Italia negli ultimi 30 anni, dal terremoto dell’Irpinia del 1980 a quello de L’Aquila del 2009.

E qui vi presento la vignetta che ho disegnato su un testo di Luca Scornaienchi. E' stata selezionata per la mostra che sarà inaugurata il 25 agosto 2011 presso le sale espositive del palazzo dello Jesus ad Auletta.

Critica della ragion pura d'esistere dei Puffi

2011-07-25T19:14:00.000+02:00

(L'Unità, 23 luglio 2011)
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Scavare nell'innominabile. Il destino di Goliarda Sapienza

2011-07-21T19:45:00.000+02:00

(Via Pò, 21 maggio 2011)
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Nel segno di Snoopy

2011-07-07T15:41:00.001+02:00

(Via Pò, 02 luglio 2011)

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L'ibrido Bilal e l'Apocalisse senza Dio

2011-06-21T21:42:00.000+02:00

(L'Unità, 12 giugno 2011)
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Alla ricerca della bellezza, fenomenologia della gatta morta

2011-06-05T23:15:00.000+02:00

(Il Mattino, 3 giugno 2011)

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«In una società edonista come la nostra, dominata dall’ossessione per il corpo, che si vuole sano, efficiente, bello, la bruttezza è un vero e proprio handicap, l’anatomia un destino beffardo. Ma solo noi donne dobbiamo preoccuparcene». C’è chi se ne occupa andando in palestra, chi ricorrendo al chirurgo plastico per correggere, piegare la linea del tempo e le tracce che questo lascia. E c’è chi scrive un libro. Volevo essere una gatta morta (Einaudi, pp. 248, euro 13.50), di Chiara Moscardelli è un romanzo di formazione al femminile. Basta leggere le quattro pagine di ringraziamenti in coda al libro che sono, anche, una traccia per comprenderne la genesi e lo sviluppo. Il racconto si apre e si chiude in ospedale, due interventi su un corpo, uno per asportarne un tumore benigno a un seno, l’altro la cistifellea. In mezzo la vita di Chiara, un brutto anatroccolo trentatreenne, che passa adolescenza e giovinezza credendo nell’amore. Un anatroccolo che mentre cresce, si laurea, cerca trova e perde lavori, non diventa cigno, né tantomeno la gatta morta evocata nel titolo. Chi è questa figura che la protagonista osserva, studia, cerca di capirne psicologia e strategie, per arrivare alla fine a trovare se stessa? Con lo stile ironico e dissacrante che caratterizza l’intera narrazione (espliciti i riferimenti a «Il diario di Bridget Jones» o alle donne di «Sex and the city»), l’autrice ne traccia un identikit preciso a uso e consumo di quelle che come lei magari non sono nate podaliche (un particolare che diventa una specie di leitmotiv, anche se non simboleggia nulla se non forse la rivendicazione di un’originaria diversità), ma nemmeno donne in grado di scegliere un uomo e di giocare la partita per arrivare al loro unico e vero obiettivo: il matrimonio. Quello che viene dipinto a tinte pastello è il ritratto spietato di una società in cui tutto è confuso, in cui schegge impazzite e tutte concentrate su di sé cercano di incastrarsi le une con le altre, per lo più facendosi del male. Unica nota positiva l’amicizia, capace di resistere negli anni, di regalare momenti di gioia pura. Ma in fondo non è così l’esistenza, con i suoi drammi e le sue tragedie e con le sue piccole pietre preziose? «La cosa certa, ora, è che dipende da me dare una svolta alla mia vita. Io sono bella, più dentro che fuori, s'intende, ma comunque bella, e qualcuno prima o poi se ne accorgerà. Soffrire ed essere lasciati fa parte del gioco». Con l'unico problema che, se si giocano partite diverse, si continuerà a incrociarsi senza mai incontrarsi veramente, come monadi chiuse nel proprio guscio che arrancano alla ricerca di un posto al sole. Che ovviamente è artificiale.

UN ALFABETISMO DI RITORNO.

2011-05-27T00:19:00.001+02:00

(Via Po', 14 maggio 2011)

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HUGO PRATT, L'UOMO CHE CREDEVA NELL'ACQUA

2011-05-04T11:22:00.000+02:00

(L'Unità, 24 aprile 2011)
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L'IMMIGRATO SCISSO TRA DUE MONDI

2011-05-01T17:15:00.001+02:00

(Via Pò, 30 aprile 2011)

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Divorzio all'islamica di Amara Lakhous

ISTINTO E RAGIONE: COSI' FOTOGRAFO LE MACERIE E IL DOLORE

2011-04-29T11:22:00.000+02:00

(L'Unità, 28 aprile 2011)
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STRISCIA L'ITALIA

2011-04-27T08:46:00.000+02:00

Con quest'intervista a Manuele Fior, vincitore quest'anno della Fauve d'Or come Miglior albo (5000 chiometri al secondo) a Angouleme, comincia la mia collaborazione con L'Espresso!

Un grazie a tutti quelli che hanno sempre creduto in me e nella mia penna!!!

Una filosofia per dame scritta in guanti bianchi

2011-04-25T10:23:00.002+02:00

(Il Mattino, 22 aprile 2011)
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Dimostra di essere un vero filosofo in guanti bianchi Maurizio Ferraris nel suo Filosofia per dame (Guanda, pagg. 208, euro 13), raccolta di riflessioni (di carattere democraticamente generalista con retrogusto critico) pubblicate sul settimanale femminile «Donna Moderna». Il titolo potrebbe trarre in inganno però. O attrarre, secondo i punti di vista. Come l'autore precisa nella postfazione, infatti, il suo interlocutore non è il gentil sesso ma l'umanità intera: «nello spirito di Wolff, che era poi l'Illuminismo - si legge - significava filosofia per tutti e filosofia su tutto». Quel «dame» starebbe, dunque, per non specialisti, non professionisti del pensiero critico. «Profani», insomma. Ecco paginette piene di nomi gettati là come per sbaglio, di citazioni colte e riferimenti al pensiero di tal o talaltro filosofo (e mai filosofa) di cui si può cogliere o meno il riferimento. Se si riesce, magari grazie a vaghe reminescenze scolastiche, si proverà quel particolare godimento di un ego che riconosce un linguaggio e si sente quindi parte della «cricca». Viceversa, se non si arriverà a raccogliere il candido guanto della sfida, si continuerà a vivere nell'innocente beatitudine della propria ignoranza. Poco male. Quanto meno non si avrà lo spiacevole compito di cogliere in fallo l'autore. O sarà per galanteria che definisce Milena un'amica di Kafka, quando sappiamo bene che ne è stata l'amante, pur secondo le modalità dello scrittore ceco? Per disattenzione arriva a confondere un riccio con un istrice? Per non parlare delle facili strizzatine d'occhio («Si può essere saldi di fronte ai saldi?»), delle ripetizioni di temi ed espressioni linguistiche (esodi e controesodi fanno la voce grossa, in compagnia di ansia, paranoia, con un pizzico di Sex and the City che viene distribuito qua e là come il prezzemolo).

Silvia Santirosi

AIX: La città del fumetto

2011-04-23T08:50:00.003+02:00

(L'Unità, 22 aprile 2011)

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Mostre, incontri, ateliers che si concludono questo 23 aprile: è questa la Rencontres du 9e Art che fa di Aix-en-Provence, antica capitale della Provenza a trenta chilometri dal porto di Marsiglia, una vera e propria città consacrata al fumetto e a tutte le altre arti grafiche che possono dialogare con esso. Giunto alla sua ottava edizione, il Festival continua a crescere conservando, al tempo stesso, la sua identità. La città viene letteralmente abitata dalle opere degli artisti, sono sparsi ovunque i punti che accolgono le mostre (il Museo di Storia Naturale ospita il percorso creato Jens Harder, autore berlinese di un racconto a fumetti sull’Evoluzione: dal Big Bang fino alla comparsa del primo uomo). Non si riducono, quindi, a un’esibizione di illustrazioni o di tavole incorniciate, ma diventano l’occasione per mescolare la nona arte all’istallazione o all’animazione facendoli cortocircuitare. «È una manifestazione che fa dell’expo uno dei suoi punti di forza» ci dice Barbara Canepa che nella città di Cézanne è ormai a casa da anni. «É sulla stessa linea di Angoulême e, pur non possedendo gli stessi mezzi, il risultato è eccellente. Senza contare che si investe molto su giovani autori e nuovi talenti. Quello che trovo interessante è come il fumetto è presentato al pubblico» continua a raccontare l’autrice che sta per regalare ai suoi fans i nuovi albi di Sky Doll, in uscita il prossimo autunno. «Viene creato uno spazio in grado di accogliere l’universo creativo dell’artista, penso ad esempio ai CuBDe. Gli viene data carta bianca e tutta la libertà di sperimentare diverse soluzioni espressive. E così si dà la possibilità al pubblico di entrare quasi nella sua testa, di assistere al processo creativo. Tentativo rischioso, non si può avere la certezza di un apprezzamento, ma così facendo si presenta qualcosa fuori dagli schemi che può favorire una specie di evoluzione del gusto».

Ma cosa sono i CuBDe? Cinque grandi scatole di 9 per 2,5 m2 che Zeina Abirached (autrice anche il manifesto del Festival), Takayo Akiyama, Martes Bathori, Moolinex e Alban Guillemois hanno personalizzato. Entrare nell’Elefante meccanico di quest’ultimo, ad esempio, è un po’ come precipitare in un cabinet de curiosités: pareti piene di bozzetti, tavole definitive, illustrazioni, sculture rappresentanti creature fantastiche, un’animazione proiettata su un piccolo schermo. Il tutto in un’atmosfera alla Tim Burton.

Quella che invece si respira allo Zarmatelier (nome di un atelier di disegnatori di Marsiglia) è la quotidianità del luogo, della vita creativa, che i nove autori condividono e che hanno ricreato per il pubblico. Ospitati dall’Espace Jeunesse Bellegarde (il luogo della città riservato ad accogliere le attività per bambini e ragazzi dai 3 ai 25 anni), festeggiano così i dieci di attività mettendo a nudo manie e passioni esibendole insieme alla ricostruzione del loro spazio di lavoro.

Un lato ludico e partecipativo che è un’altra cifra di questa manifestazione. Accanto a incontri e dibattiti o ai momenti dédicaces (e anche qui si ripete il rito del fare la fila, interminabile e per ore in alcuni casi, solo per scambiare qualche parola con il proprio autore preferito impegnato a lasciare una piccola traccia colorata sul suo ultimo albo), ci sono tutta una serie di laboratori e atelier, alcuni dei quali aperti a tutti. Fireboxes, per citarne uno, è una mostra di scatole di fiammiferi che celebra il fatto che la Città del libro (dove c’è la libreria piena di fumetti sia di autori famosi e conosciuti dal grande pubblico, sia piccole case editrici indipendenti, e dove hanno luogo gli appuntamenti più importanti) in passato era appunto una fabbrica che le produceva. Su queste diversi artisti hanno disegnato come fossero vignette, strisce umoristiche o un’intera tavola, e il pubblico, per tutta la durata del Festival, è invitato a customizzare le piccole scatole bianche sul tema dei vendicatori mascherati. Per non parlare dell’intervento chiesto su dei Nani da giardino (c’è il nano pirata, il nano robot, il ciclope o quello ridotto in mille pezzi) che saranno venduti in un’asta a maggio e il cui ricavato sarà devoluto all’associazione A chacun son Everest (A ognuno il suo Everest) che aiuta i bambini malati di cancro. «I nani da giardino sono piccoli. È ingiusto» recita il manifesto di presentazione. «Farli crescere di qualche centimetro. Tutti i mezzi sono accettati!».

Silvia Santirosi

Alla conquista degli USA!

2011-04-18T21:37:00.000+02:00

Ecco qui l'ultimo nato.

Tecnica nuova, firma nuova.

Faccio come Hokusai...cambio vita e nome (o rappresentazione grafica del medesimo).

E fiorisco a nuova esistenza.

Copertina per un futuro best-seller (se fossimo nel migliore dei mondi possibili), in cui Carlo D'Ippoliti, giovane (lo è davvero!) e brillante economista nonché mecenate e mio grande sostenitore (!), spiega la differenza tra i concetti di Heterogenity e Diversity.

Se tutto va bene, la vostra arriva pure in America.

Ovviamente la parola d'ordine è: "dopo Parigi, c'è solo New York"...o la Grande Pomme...come dicono da queste parti...ahhhhhhhh!!!

MARZO DI RECENSIONI SU ANDERSEN!!!

2011-04-12T10:01:00.000+02:00

Ormai non faccio che essere in ritardo continuo su quello che ho appena fatto...e allora corro, corro, corro.
E mi alleno per la grande Maratona!
Buona lettura.

Storia ritrovata: Trenta donne che fecero l'Italia hanno ritrovato il loro volto

2011-04-07T23:39:00.000+02:00

(L'Unità, 6 aprile 2011)

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La storia non sempre è quella magistra vitae che celebrava Cicerone. Può essere pessima, come amava definirla Luigi Malerba, può condannare all’oblio i popoli senza scrittura, le classi o i gruppi sociali non egemoni. La storia spesso ricorda date, trattati, battaglie perse e guerre vinte, grandi scoperte geografiche o scientifiche. E dimentica le vite degli uomini, con le loro gioie e dolori. Per non parlare delle donne. In questo caso non c’è nemmeno perdita di memoria. Semplicemente perché, spesso, non c’è nemmeno stata la volontà di ricordare.

Quest’anno si celebrano i 150 anni dell’Unità d’Italia. Ed è un proprio uno strano periodo quello in cui viviamo, in cui l’urgenza dell’agire non esclude, anzi, richiede assolutamente l’urgenza del capire. A cosa serve non dimenticare? E, soprattutto, a chi? Viviamo un tempo in cui l’unico orizzonte storico è la contemporaneità, viviamo un paese unidimensionale nel quale tale disciplina perde la sua funzione etica, pedagogica, e viene riletta non per comprendere, ma per legittimare. Il gioco è facile. Nello stato di precarietà esistenziale nel quale viviamo noi giovani sono progressivamente scomparse le dimensioni temporali: cos’è il futuro? E che dire del passato? Ogni generazione ricomincia da capo e quello che per alcuni può essere scontato, ad altri appare inedito. «Le generazioni di fine Ottocento si nutrivano della memoria del Risorgimento» scrive lo storico Stefano Pivato, «per quelle cresciute fra gli anni Venti e Trenta la Prima guerra mondiale era un punto di riferimento costante; la generazione del Sessantotto si è nutrita del ricordo della Resistenza. La generazione dei giovani di oggi mi sembra attraversata da un vuoto di memoria costante».

Proviamo a immaginare la storia come un armadio pieno di voci che gridano: voglio uscire, voglio uscire, voglio uscire! Ascoltare, permettere loro di raccontarsi sarebbe un modo per riscattare queste voci, donne e uomini trasformati in astrazioni.

A questo sono state chiamate le trenta donne invitate a partecipare al progetto di storia illustrata “L’altra metà dell’Unità”: a parlare, a fare le veci di altre trenta donne, per lo più dimenticate o mai davvero conosciute, che hanno dato il loro contributo, che hanno speso e sacrificato la loro vita per fare quell’Italia che oggi noi siamo. Non meno dei loro mariti, padri, figli, amanti e compagni.

Ciascuna armata dei propri colori e delle proprie materie, hanno cercato di restituire carne e corpo ai loro personaggi nel tentativo di rendere vicino ciò che è lontano nel tempo e nello spazio, e di ridare vita alla vita. Tutto questo attraverso l’arte, che è anche sensibilità e sapienza tecnica individuale.

Tutto questo ben consapevoli che l’Unità del nostro paese non è un dato ma un processo in fieri. E che per realizzarsi davvero, ha bisogno anche dell’altra sua metà. Oggi come non mai.

Silvia Santirosi

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L’ALTRA META’ DELL’UNITA’

Un viaggio nel paese reale che costruì L'Unità D'Italia

Un omaggio alle energie femminili nascoste dalla storiografia

Evviva torna l'albo illustrato

2011-04-03T12:43:00.002+02:00

(L'Unità, 2 aprile 2011)

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Quando si chiudono le porte di una manifestazione e si torna a casa, comincia il tempo dei bilanci che sono, inevitabilmente, prematuri, parziali e ancora influenzati dalla vicinanza emotiva all’evento appena concluso. Così è anche per la Fiera del libro per Ragazzi di Bologna, sebbene questo non impedisca di segnalare la particolare vivacità dell’edizione di quest’anno. Nonostante la crisi pesi ancora sui bilanci e le scelte delle case editrici, si torna a sperimentare, a investire nel prodotto di qualità piuttosto che nella ricerca del best-seller o dell’instant book che soddisfano una bolla di mercato destinata prima o poi a scoppiare. Secondo i dati forniti da LiBeR, il numero delle novità libraie del settore ragazzi immesse nel circuito tende a risalire (passando dalle 2130 del 2009 alle 2198 del 2010). Certo è che non è sempre oro tutto quel che risplende, soprattutto se si tiene conto che lo stato di salute di un mercato non si giudica solo dal versante dell’offerta, ma anche da quello della domanda e, soprattutto, della diffusione. Nel 2010, ad esempio, con la manifestazione Bolibrì, c’era stato un ritorno della manifestazione allo spirito del 1964 (anno della prima edizione): una serie di iniziative vedevano coinvolti non solo gli operatori del settore, gli unici ammessi nell’Olimpo del Polo fieristico, ma anche i principali consumatori del prodotto: famiglie e bambini. Ma questa è un’altra storia.

Di sicuro quello che i dati confermano, come dicevamo, è il nuovo slancio in ambiti che i fenomeni Harry Potter e Geronimo Stilton avevano messo in ombra. Ecco allora il ritorno al tascabile o a nuove edizioni illustrate dei classici (esemplare il lavoro portato avanti da Princìpi & Princípi, la casa editrice che ha festeggiato in questi giorni il primo anno di vita); o l’avventura alla scoperta di territori poco praticati: e tra questi il fumetto per ragazzi. Per Orecchio acerbo possiamo parlare di un ritorno. Dopo la serie dei Pittipotti scritta da Jerry Kramsky e disegnata da Lorenzo Mattotti, firmano i due titoli appena usciti della collana Comics due grandi nomi della bande dessinée internazionale: Jack e la scatola di Art Spiegelman e TopoLino si prepara di Jeff Smith. Diverso l’approccio di Topipittori che inaugura la collana Graphic de Gli anni in tasca con Giulia Sagramola: con uno stile fresco e un tono sospeso tra leggerezza e ironia, la giovane autrice racconta i suoi primi dieci anni di vita. E segnaliamo il numero 10 della rivista Canicola dedicato ai “bambini di ogni età”, come si legge nella prefazione, in cui autori di tutto il mondo scommettono sulla capacità narrativa del disegno. Un punto di vista confermato da Jean-François Martin, vincitore con Fables (Milan, 2010) del premio per il Miglior albo illustrato. «L’insieme delle storie di Esopo, e quindi delle illustrazioni» ci racconta, «sono una specie di ritratto dei molteplici modi in cui si manifesta la stupidità umana».

Dopo anni di sudditanza l’Italia sta facendo scuola, soprattutto per quel che riguarda l’albo illustrato. E il libro si fa anche oggetto di design a misura di bambino: è questo il caso Libro sveglio (Kite edizioni) del duo Sanna-Guidone. Scelgono scelgono di firmarsi Asobi, termine di origine giapponese caro a Bruno Munari che significa al tempo stesso arte e gioco. Ma, in generale, l’illustrazione ha fatto quest’anno la parte del leone. Tra le 175 candidature provenienti da 62 paesi, è l’australiano Shau Tan, già premio Oscar per The Lost Thing, ad essere stato insignito dell’Astrid Lindgren Award, uno dei più importanti riconoscimenti per la letteratura per ragazzi e assegnato, di volta in volta, a narratori, autori o, appunto, illustratori. Il Premio Internazionale di illustrazione è stato assegnato a Page Tsou per la coesistenza nelle sue opere (Dancing feathers-piume danzanti) «di componenti che si riferiscono, ad un tempo, alla migliore tradizione grafica e a una rilevante visione pittorica».

Non resta che da chiedersi cosa significhi scrivere per ragazzi oggi. È questa la domanda della scrittrice, poetessa e giornalista israeliana Nurit Zarchi. «Per quelli della mia generazione era facile narrare storie ai bambini» racconta, «era chiara la distinzione tra bene e male: da una parte c’erano i buoni, cioè noi, dall’altra i cattivi, ossia tutti gli altri. Oggi “both” (entrambi) è proprio il nome del mondo caotico che viviamo. Cambiano il senso del tempo, i modi per dire le cose, ma quella che resta invariata è la fame di informazioni dei bambini. Ed è alle loro domande che dobbiamo rispondere».
Silvia Santirosi

Quando la storia si scrive col colore

2011-03-28T23:57:00.000+02:00

(L'Unità, 27 marzo 2011)

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Non c’è visione senza pensiero diceva Maurice Merleau-Ponty, anche se ci possono essere immagini senza parole. Basti pensare alle Grotte di Lascaux e alle storie che narrano. Per questo la Mostra degli Illustratori della Fiera del Libro per Ragazzi di Bologna (dal 28 al 31 marzo) è un’occasione da non mancare. Vetrina mondiale dei migliori talenti ed energie creative, può essere una fonte di ispirazione e un’occasione per riflettere per tutti gli operatori del settore (editori, bibliotecari, insegnanti). Per non parlare degli altri illustratori o aspiranti tali. Era il 2007, l’anno in cui Wolf Erlbruch disegna la copertina dell’Annuario (quest’anno di Jutta Bauer, vincitrice nel 2010 del Premio Internazionale Hans Christian Andersen): i diversi animali dalle fattezze antropomorfe che si aggirano su un fondo giallo-ocra tenendo sottobraccio cartelline nere di diverse dimensioni sono impegnati in quel girotondo che si ripete ogni anno: la ballata degli illustratori alla ricerca di un editore. Ne abbiamo parlato con Paolo Canton, membro della giuria e editore (Topipittori).

Come è stata condotta la selezione?

«Con Carll Cneut, Sophie Var Der Linden, Ellen Seip e Pal’o L’Uboslav non abbiamo stabilito alcun criterio: insieme abbiamo visionato tutti i lavori e selezionato quelli che incontravano il favore anche di un solo giurato. Questa prima selezione, che accoglieva già lavori di qualità professionale, è stata approfondita attraverso un semplice meccanismo di voto. Nell’attribuire le mie valutazioni ho cercato di capire se, a prescindere dal mio gusto personale, le illustrazioni erano in grado di raccontare una storia, e se la sapessero raccontare da una prospettiva originale».

Così si è passati dalle 2836 candidature ai 76 artisti selezionati per un totale di 375 opere. Numeri che fanno pensare.

«Prima di arrivare a dire che si disegna più con la testa che con le mani, come dice Guido Scarabottolo, si devono possedere doti tecniche di disegno eccellenti, che non si possono improvvisare. E nel confronto immediato, i difetti e le incapacità di ciascuno balzano all’occhio. Un secondo problema è una scarsa cura nella presentazione dei lavori: cattive riproduzioni, supporti inadatti realizzazioni approssimative. Infine, sono certo che alcuni partecipano alla selezione solo per avere il pass per entrare gratis alla Fiera».

Il rito delle polemiche si celebra ogni anno. Cosa rispondere a chi sostiene che la mostra non rappresenta la realtà produttiva dell’editoria o a chi dubita della possibilità di giudicare le immagini senza il testo?

«Ai primi con una battuta: al Vinitaly non premiano il Tavernello, anche se è il vino più bevuto in Italia. Ai secondi rammentando che le immagini c’erano prima che ci fossero i libri: una storia non ha necessariamente bisogno di parole per essere raccontata».

Cosa manca all’illustrazione italiana?

«Nulla, credo, visto che è molto apprezzata all’estero. Ma certamente gli italiani, illustratori e non, soffrono di due malattie: una legata alla formazione, l’altra antropologica. Molti illustratori e aspiranti mancano di una solida cultura dell’immagine, ignorano la storia dell’illustrazione, del libro e dell’editoria. Poi c’è un diffuso provincialismo, la tendenza a fare parrocchia, da cui sarebbe meglio prendere le distanze. Bisognerebbe essere capaci di una maggiore freddezza critica nel giudicare il lavoro proprio e altrui».

Consigli ai giovani?

«Determinazione, disciplina, rigore e studio. Non accontentarsi, non fare qualsiasi cosa pur di essere pubblicati. Curare ogni aspetto del proprio lavoro, imparare a valutarlo e a riconoscerne i punti deboli. Acquisire insomma un atteggiamento professionale e non puntare a essere grandi artisti, ma eccellenti artigiani. È importante poi muoversi, andare alla scoperta di altri paesi e di altri mercati».

E Philip Giordano, vincitore della prima edizione del Premio Internazionale d'Illustrazione Fiera del Libro per Ragazzi - Fundación SM (30 mila dollari e la commissione di un’opera) e autore dell’albo La Princesa Noche Resplandeciente (Gruppo SM), può essere a giusto titolo considerato un esempio virtuoso.

È cambiato qualcosa nella tua vita professionale?

«Il premio mi ha permesso di investire su di me, ad esempio ho subito acquistato un computer nuovo. E mi ha dato la possibilità di concentrarmi sul lavoro senza preoccupazioni pratiche. Almeno per un anno».

Come hai lavorato al progetto che ti è stato affidato?

«Pensavo di dovermi confrontare con storia molto classica che avevo letto, in prima battuta, in modo triste, cupo. Lavorando sulle immagini, mi sono accorto invece che avevo tra le mani qualcosa che parlava di rinascita e rinnovamento. Allora ho messo da parte lo storyboard e le due tavole che avevo già realizzato e ho ricominciato da capo. In questo mi ha aiutato molto il confronto con amici e colleghi».

Guardando i tuoi lavori, è evidente il richiamo all’Oriente.

«Ho sempre avuto una fascinazione per quell’universo, tra l’altro mia madre è filippina e il mio migliore amico vive a Tokyo. Avevo deciso di trascorrere un anno in Giappone per studiare, fare un’esperienza di vita e cercare lavoro. Ci sono illustratori (ad esempio Shigeru Mizuki, Rokuro Taniuchi, Shinta Cho, Iku Dekune), e quindi immagini, di cui non abbiamo nessuna conoscenza, nemmeno su internet. Per trovarli si dovrebbe lanciare la ricerca scrivendo ideogrammi. Devi essere lì, per esplorarlo. È un universo a parte».

Un esempio?

«Si potrebbe parlare per stereotipi, dicendo che l’Occidente è più materico, legato al concetto di pieno e l’Oriente più spirituale e attento piuttosto allo spazio, al vuoto in particolare, con una cura estetizzante per ogni dettaglio, al limite della maniacalità. Le campagne sembrano un grande giardino, le foreste quasi addomesticate. Ero appunto a Tokyo da due mesi. Visto quello che è successo, ora non so cosa fare».

Silvia Santirosi

Le sirene del nichilismo

2011-03-26T17:23:00.000+01:00

(Via Pò, 26 marzo 2010)
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Le due strade della filosifia, un saggio di André Glucksmann

“Da un lato, la contestazione più pungente, Socrate. Dall’altro, il professore di filosofia più influente del Novecento, Heidegger. Sono attuali l’uno quanto l’altro. Si disputano il senso che occorre dare a un’epoca sradicante e sradicata, la nostra”. To be or not to be Socrate, to be or not to be Heidegger: this is the question. Questo si chiede André Glucksmann in Le due strade della filosofia (Spirali 2010), un libro che è anche un vero e proprio match filosofico in quattro round – pensare liberamente, pensare mortalmente, pensare amorosamente, pensare per sopravvivere – senza esclusione di colpi. La posta in gioco è alta, il prevalere dell’una o dell’altra posizione non implica soltanto la vittoria di una visione, ma la stessa cancellazione dell’altra. Senza parlare dell’invito rivolto al lettore, velato ma insistente, a prendere posizione e a scommettere sull’uno o l’altro contendente. Certo è che il filosofo francese non ha dubbi sul vincitore. Prevale sul “vivere per la morte” l’imperativo del “conosci te stesso!” che introduce l’individuo alla dura necessità – tutta atea, ovviamente! – della responsabilità del pensarsi senza soccorso. E di resistere alle sirene del nichilismo: di quello passivo (quello del cammello cristiano, per intenderci) e del nichilismo attivo (dei grandi artisti o conquistatori, dei leoni insomma). Un pensiero che risulta compiuto, e quindi ancora più pericoloso, quando cammello e leone si accoppiano e il senso di irresponsabilità diventa universale. “Il nichilismo si vorrebbe destino inesorabile” scrive André Glucksmann, eppure ciò che davvero contraddistingue il nichilista non è il suo atteggiamento di negazione tout court, ma soprattutto il suo diniego del falso. Quando l’essere autentico, ossia colui che “decide di decidere” anche nell’angoscia, non distingue più tra la parola apofantica (cioè quella che separa il vero dal falso) e la preghiera performativa, ossia l’autoaffermazione della propria verità, è in questo momento che abdica alla sua stessa autenticità. Quello che fa, insomma, il gatto quando nasconde gli escrementi sotto la sabbia o Heidegger per nascondere il suo cedimento al pensiero poetante: usa Hölderlin. Per l’appunto.

La mossa di Glucksmann è semplice: mette a confronto il filosofo tedesco e quello greco – entrambi pensatori della crisi delle loro civiltà – per comprendere in che modo le loro riflessioni influenzano il destino della loro epoca. Che ne ricava? La messa in evidenza che sapere il niente non è non sapere niente, anzi. Sapere di non sapere, in realtà, afferma una conoscenza dei limiti nella misura in cui il pensiero non si arresta a subire la crisi ambientale, ma intraprende la sfida di (ri)pensarla. “Coltivavo la curiosa sensazione che le innumerevoli crisi che ci assalivano manifestassero più segretamente una crisi delle crisi”: così parla Socrate (per interposta persona) nel capitolo di apertura del libro quando si confessa, quando prova a raccontare quel “qualcosa di marcio”, quella peste che aveva spazzato via riferimenti, certezze, tradizioni consolidate nella sua Atene (o Parigi, poco importa). Eppure, nonostante l’aleatorietà, la liquidità di ogni riferimento, permane un bisogno – ostinato – di rigettare la fragilità, la mortalità che è propria di ciascun individuo e dell’umanità tutt’intera, un bisogno di superamento, di sopravvivenza alla propria morte attraverso la costruzione di una famiglia ad esempio, o all’oblio sociale magari grazie al riconoscimento in un collettivo inossidabile. Come resistere allora alla peste, al capovolgimento di tutti i valori? Come non chiudere gli occhi davanti a “un secolo avido di carne fresca”, che ha divorato milioni di persone in nome di un’indifferenza all’infelicità degli uni e ai crimini degli altri che va ben al di là del – semplice – errore morale? Il ko finale del tedesco, il braccio alzato del greco sta proprio a ricordare a tutti noi che la consapevolezza nella propria finitudine emancipa dagli altri, da se stessi e forse rende liberi. Anche e soprattutto dal nichilismo.

Silvia Santirosi

Quino: disegno per capire gli umani, siamo noi il vero problema

2011-03-22T11:19:00.000+01:00

Non dimenticherà mai il momento in cui ho incontrato Quino. Mai.

(L'Unità, 21 marzo 2011)
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Silenzi che raccontano più di mille parole, occhi dolci che esprimono l’infinita tristezza di essere costretti, dopo tanti anni, a guardare ancora lo stesso spettacolo. Parlando con Joaquín Salvador Lavado, in arte Quino, si tocca con mano quel riflesso del dolore di un paradiso impossibile di cui parlava Proust, è fare esperienza dell’essenza stessa del pudore. Non c’è esempio più concreto di come un’opera possa essere incarnazione del suo autore. Al Salone del libro di Parigi per che chiude oggi le sue porte, abbiamo incontrato il creatore di Mafalda, il disegnatore di tante illustrazioni che hanno descritto con spietata e delicata ironia il mondo contemporaneo. Che continua a persistere nella sua stupidità.

Perché disegnare? Per comprendere il mondo o per cambiarlo?

«Per capirlo. Penso che sia davvero difficile cambiare la natura umana. Siamo noi il vero problema. E disegno anche per liberarmi dalle mie frustrazioni, per essere più leggero».

Come si spiega che, quarant’anni dopo, Mafalda sia ancora così viva nelle menti e nei cuori dei suoi lettori?

«Non ho avrei mai potuto immaginare che, nonostante abbia smesso di disegnarla da così tanto tempo, Mafalda potesse avere ancora tutto questo successo, essere così attuale. Allo stesso tempo è tanto triste vedere come tutto sia rimasto uguale. Anzi, se qualcosa è cambiato, è in peggio».

Perché allora smettere di disegnarla?

«Dopo quasi dieci anni, non ne potevo più di dire che tutto va male, mi ero stancato. In più, in Argentina cominciavano a sparire le persone, era l’inizio della dittatura. E comunque non avrei mai potuto continuare, la censura non me l’avrebbe permesso».

Non ha mai avuto desiderio di ricominciare?

«No. Mafalda è figlia del suo tempo. Il momento storico in cui è stata creata è irripetibile: la guerra in Vietnam, Papa Giovanni XXIII, il femminismo, i Beatles, l’idea dell’immaginazione al potere. Sembrava che il mondo potesse cambiare, invece no. Mafalda chiede perché questo, perché quello a suo padre: sono un po’ io. Peccato però che non ci sia un padre che abbia le risposte».

La dittatura ha segnato il suo paese. C’è un prima e un dopo?

«Non si può dire che quell’esperienza abbia fatto crescere uno spirito più democratico. Certo, non è stato tutto dimenticato, però ci si è lasciati andare un po’ troppo. Esiste il problema del peronismo che ormai è al governo, all’opposizione…insomma, sono tutti peronisti e litigano tutti tra di loro».

Ma torniamo al disegno. Quali sono i suoi maestri?

«Mi piacevano molto Jean-Maurice Bosc e Chaval, grandi disegnatori umoristi francesi degli anni Sessanta. Poi c’è Schulz che considero il “mio” maestro. Ha cambiato sia il modo di fare fumetto che la mia visione del mondo».

Dai Peanuts arriva allora l’ispirazione di scegliere una bambina come protagonista delle sue strisce?

«In realtà, Mafalda nasce come testimonial della campagna pubblicitaria della Mansfield, una compagnia che produceva elettrodomestici: anche il suo nome viene da lì. Insomma, è stato un caso. Altrimenti non avrei mai creato un personaggio fisso».

Quino però non è solo Mafalda, anzi.

«Mi sono rassegnato al fatto che tutti ancora mi parlino e mi chiedano ancora di lei. Un po’ come tutti che conoscono “Per Elisa” di Beethoven grazie alle suonerie dei telefonini, e pochissimi la sua vera musica».

Qual è il segreto di quella sintesi che le permettere di raccontare in una tavola un’intera storia?

«Sono cresciuto andando spesso al cinema che ai miei tempi era ancora muto. Ho imparato così a disegnare senza parole, cercando di comunicare con meno mezzi possibili. Nessun segreto. Io parlo così».

Mai avuta la sindrome della pagina bianca?

«La pagina bianca? Panico. Che Luciano Pavarotti lo raccontava così: gli capitava di fare l’incubo di uscire sul palcoscenico, aprire la bocca e non avere voce. Per me è lo stesso».

Cosa pensa del cambiamento introdotto dall’era digitale, sia nella creazione che nella fruizione delle immagini e dei testi?

«I giovani autori hanno difficoltà a pubblicare, nell’editoria come sui giornali. Tutti allora si sono buttati in internet per far conoscere il proprio lavoro: ognuno ha il suo sito, il suo blog. Personalmente, non sono mai riuscito a disegnare con un computer. Ho bisogno di sentire la carta, di usare la matita, la gomma, l’inchiostro. E il libro, a fumetti o no, lo voglio sentire tra le mie mani. Anche se credo che il libro elettronico cambierà molto il rapporto con i lettori».

Silvia Santirosi

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Febbraio di recensioni su Andersen!

2011-03-15T22:21:00.001+01:00

Puff puff...è già uscito il numero di marzo e io qui a mettere ancora le recensioni di febbraio...la vita corre e io non riesco sempre a starle dietro...ma mi sto allenando!

Torna Minimondi per insegnarci a ballare con i libri

2011-03-13T11:47:00.001+01:00

(L'Unità, 12 marzo 2011)

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Ospite l'artista Remy Charlip

Si apre oggi a Parma e provincia l’undicesima edizione di Minimondi, il Festival di letteratura e illustrazione per ragazzi che, con una formula ormai collaudata, proporrà al suo pubblico incontri e laboratori con gli autori (Giulia Orecchia, Chiara Rapaccini, Silvana Gandolfi o Antonio Nicaso, solo per citare alcuni dei protagonisti), il progetto «Adotta un editore» e una programmazione cinematografica realizzata in collaborazione con Cine D’Azeglio.

Fiore all’occhiello della manifestazione, la mostra Remi Charlip danzare il mio libro dedicata all’eclettico artista americano, classe 1929, di cui è appena stato pubblicato Fortunatamente. Opera del 1964, con cui la casa editrice Orecchio acerbo festeggia la sua centesima pubblicazione, questo libro circolare è un elogio leggero e non pedagogico della duplicità della sorte: il suo essere favorevole o avversa, spesso, dipende solo dal punto di osservazione. Se Ned è fortunato a ricevere una lettera di invito a una festa a sorpresa è, al tempo stesso, sfortunato perché la festa è in Florida e lui è a New York. E così via. La danza, però, non è solo concettuale. Le immagini accompagnano questo avvicendarsi di casi: si passa così dal bianco e nero ai colori, il tutto tenendo conto delle avventure vissute dal piccolo protagonista.

Nonostante sia autore e illustratore di più di trenta libri per bambini (alcuni realizzati in collaborazione con scrittrici del calibro di Margaret Wise Brown o Ruth Krauss), si sia esibito come performer insieme a John Cage e abbia danzato con il coreografo Merce Cunningham, è praticamente sconosciuto in Italia. Ecco dunque il percorso espositivo allestito nella Chiesa di San Ludovico, con tavole originali e prime edizioni dei suoi libri parzialmente consultabili, proiezioni di video sulla sua attività di danzatore e performer. Il tutto pensato per permettere a grandi e piccini un’immersione nel suo poliedrico lavoro in relazione anche al mondo culturale con cui si è confrontato: esemplare a questo proposito la lettera scritta da Bruno Munari per esprimere la sua ammirazione nei confronti del libro It looks like snow che segna l’inizio di una amicizia durata anni.

Silvia Santirosi

L'ALTRA META' DELL'UNITA': MATILDE MANTILE

2011-03-08T18:54:00.001+01:00

E' un pò che non c'erano più nuoe illustrazioni sul mio blog. Perché la vita a volte ti impone di fare altro. Ma quando qualcosa fa parte di te, puoi anche metterla a tacere per qualche tempo. Poi, torna a farsi sentire più forte di prima. Questa è il primo di una serie di lavori che posterò a breve. Non è un caso che la renda "visibile" oggi. 30 illustratrici che danno forma e colore a 30 donne che hanno contribuito a fare l'Italia. Ecco il mio volto.

L'ALTRA META' DELL'UNITA'

un viaggio nel paese reale che costruì l’Unità d’Italia un omaggio alle energie femminili nascoste dalla storiografia

Prossimamente l'inaugurazione a Cosenza!

MATILDE MANTILE

Nata a Napoli nel 1799, si trasferisce a Lungo, in Calabria, per sposare D. Angelo Stratigò. Dall’unione nascerà il poeta patriota Vincenzo Stratigò, che partecipò dapprima ai moti del ‘44 e poi a quelli napoletani del ‘48; imprese che gli procurarono il rimpatrio e il divieto di proseguire gli studi. Partecipò ai moti del ‘48 con il grado di luogotenente e si diede alla latitanza fino al 1852. A causa del figlio ribelle il marito di Matilde venne mandato a Muro Lucano, dove morì a causa del colera. La donna rimase sola con i quattro figli, tutti perseguitati politici. Il palazzo di famiglia divenne sede della gendarmeria e nel periodo di occupazione i soldati distrussero mobili e libri di famiglia. Il 16 luglio 1859 ci fu una rivolta di piazza in cui il figlio Vincenzo ebbe un ruolo di primo piano; aveva fatto circolare tra i contadini arbereshe una poesia l’albanese e quel giorno incitò il popolo dal balcone della propria casa a unirsi a lui impugnando le armi per andare incontro a Garibaldi, che stava attraversando la Calabria per raggiungere Napoli. La popolazione dei paesi vicini non lo aiuta e la rivolta viene repressa nel sangue. Numerose persone, tra cui i due fratelli Stratigò, vengono arrestati. Anche la madre, ormai sessantenne, viene arrestata e condotta nelle carceri di Lungro. I figli, tranne Vincenzo che riesce a fuggire, nelle carceri di Cosenza. Matilde dal carcere scrive appassionate lettere indirizzate al figlio, nelle quali plaude alle sue imprese, mostrando piena adesione agli ideali politici che animavano i patrioti. Morì nel 1870.

Il mondo di Mondrian, una rivoluzione tra linee rette e colori primari

2011-03-05T15:40:00.001+01:00

(Il Mattino, 5 marzo 2011)
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Il movimento De Stijl (Lo Stile) ha giocato un ruolo fondamentale all’inizio del 1900 nella genesi della concezione astratta nell’arte e lasciato profonde tracce nell’architettura, nel design e nelle arti grafiche. Perciò rappresenta una chiave di lettura privilegiata nella comprensione delle fonti della contemporaneità. Tenendo presente tale principio è stata organizzata la mostra Mondrian/De Stijl, visitabile al Centre George Pompidou di Parigi fino al 21 marzo prossimo. Il percorso dell’esposizione è articolato in tre sezioni: si apre con la presentazione delle origini del movimento e si chiude con i suoi sviluppi. In mezzo, il focus sulle opere prodotte da Mondrian tra il 1912 e il 1938 proprio nella Ville Lumière. Per non parlare delle attività collaterali organizzate per l’occasione: dai laboratori per i bambini o le conferenze ai concerti, al reading del carteggio Mondrian/Van Doesburg, solo per citarne alcune. Ma torniamo al movimento che nasce nel 1917, nel relativo isolamento della neutrale Olanda, mentre la Prima Guerra Mondiale sta mettendo a ferro e fuoco l’Europa. I due artisti più rappresentativi sono Piet Mondrian, pioniere della pittura astratta e principale teorico del gruppo e Theo Van Doesburg, pittore, architetto, critico d’arte e direttore della rivista De Stijl. Ciò che li unisce è la volontà di diffondere la nuova visione dell’arte che ha evidenti riferimenti alla filosofia hegeliana e alla teosofia, nonché al simbolismo e ai fauves. Entrambi sono alla ricerca di un ritmo, di una pulsazione dinamica del colore, della giusta combinazione di elementi invarianti (colori primari e linee rette) nel tentativo di rendere visibile l’essenza del mondo. Quello che li dividerà, anni dopo, saranno sentimenti di emulazione e rivalità. «Le arti non possono in nessun caso applicarsi le une alle altre» scrive il pittore olandese Bart Van der Leck anche lui membro del movimento, «ma la loro alleanza deve procedere verso una sintesi». Ecco, dunque, i tentativi di coniugare attraverso l’elemento della diagonale policromia e spazialità, spazio e tempo, all’insegna delle teorie della quarta dimensione (spazio-tempo, appunto). In aperto contrasto con l’idea di ortogonalità promossa da Mondrian. Inizialmente pittore naturalista (di rara bellezza e maestria i paesaggi dai colori dolci e dalle atmosfere malinconiche), si distacca ben presto dalla rappresentazione della realtà andando alla ricerca piuttosto delle strutture espressive universali della natura stessa. «Il rapporto plastico è più vivo » teorizza nel 1920, «quando si manifesta in ciò che è piano e dritto». Dopo la scoperta di Cézanne e del cubismo di Braque e Picasso, si consacra al perfezionamento delle sue teorie: è così che trasforma lo spazio della tela in un campo di forze magnetiche dove ricercare l’equilibrio di piani, linee e colori. Negli anni Trenta e Quaranta, il suo plasticismo cambia ulteriormente. Prima il colore scompare, totalmente vinto dalla linea, per arrivare alla consacrazione definitiva della sua pittura all’angolo retto inteso come ritmo universale e realtà vivente. Pur non sapendo nulla della storia del movimento, la mostra è così ben concepita che il visitatore ha la possibilità di “vederla” solo passeggiando attraverso le sale, percependo similitudini e rotture dall’osservazione delle opere esposte. Di sicuro, la sezione dedicata a Mondrian è la più interessante, anche grazie alla ricostruzione del suo atelier e per il video con le interviste di conoscenti e amici che oltre all’artista, permettono di conoscere meglio anche l’uomo. Silvia Santirosi

LA GOVERNANTE (Orecchio acerbo) da Giufà!

2011-03-04T18:21:00.001+01:00

Da Parigi con furore...solo per presentare la mostra degli originali di una giovane e talentuosa illustratrice: Sara Gavioli!!!

LUNEDI' 07 MARZO
ALLE ORE 19,30
presso la
LIBRERIA GIUFA'
via degli Aurunci 38
(San Lorenzo)
ROMA

In mostra le tavole originali di Sara Gavioli per La Governante, Orecchio acerbo, 2010
(Per chi si perdesse l'inaugurazione, le tavole rimarranno esposte nel mese di marzo)!!!

ACCORRETE NUMEROSI!!!

Francia. Lo Stato ha comprato "Le Tre Grazie" anche con un euro

2011-03-02T17:14:00.000+01:00

E il quadro è di una bellezza folgorante...

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(Il Mattino, 2 marzo 2011)

«Siamo ben lontani dai pezzi del Muro di Berlino, occasione in cui ciascuno ha voluto un po’ di polvere della storia nel suo salotto personale. Con Le Tre Grazie si tratta di conservare l’opera in una teca del Museo del Louvre, per la fierezza di ogni donatore»: così Frédéric Mitterand, Ministro della Cultura e della Comunicazione, commenta l’acquisizione da parte dello Stato francese dell’opera di Lucas Cranach il Vecchio. Questo piccolo pannello in legno, mai esposto in pubblico perché fino ad oggi proprietà di collezionisti privati, sarà presentato al pubblico eccezionalmente alla galleria Medici (nella Sala Richelieu al secondo piano del Louvre) dal 2 marzo al 30 maggio prima di raggiungere nella Sala 8 le altre tele del genio del Rinascimento tedesco del XVI secolo (tre ritratti, una tela a soggetto mitologico e una Venere). Un successo, dunque, la campagna di sottoscrizione e finanziamento lanciata il 13 novembre scorso. Si tratta di un modello piuttosto diffuso nei paesi anglosassoni, ma non in Francia. E a questo esperimento, hanno risposto in più di 7000: la cifra di un milione e duecentomila euro sui quattro necessari (il resto era già stato raccolto anche grazie al mecenatismo d’impresa) che mancava per la sua acquisizione è stata presto raggiunta. Le cifre si sono aggirate da 1 a 1500 euro, con picchi di donazioni da 10000 e 40000. L’età media dei donatori si è aggirata intorno ai 56 anni, con il più giovane che ha oggi qualche settimana e il più anziano 101 anni. E dopo aver dato qualche numero per dare l’idea dell’operazione, torniamo al quadro.

Le Tre Grazie, come allegoria dell’abbondanza, dell’allegria e dello splendore, sono un soggetto trattato fin dall’antichità. Lucas Cranach il Vecchio, artista influenzato tanto dal realismo dei pittori del Nord quanto dall’immaginario più voluttuoso della pittura italiana, offre in questo pannello del 1531 una variazione sul tema tutta personale e ironica: alcuni studiosi pensano, infatti, a un elogio delle virtù teologali (Carità, Amicizia, Fedeltà) pieno di un sensuale e raffinato erotismo di corpi nudi adornati da collane e cappelli, piuttosto che al simbolismo di cui abbiamo appena parlato. Maestro nella rappresentazione del corpo femminile esaltato in quest’opera dall’assenza di paesaggio di fondo e dal colore piatto e scuro, ogni elemento è curato nel dettaglio: gli chignon, gli occhi, le gote rosee, i nasi. Per non parlare della composizione, audace e un po’ fuori dagli schemi.

Silvia Santirosi

Lorenzo Mattotti: Farò rivivere il mio vecchio Huckleberry Finn.

2011-02-28T23:57:00.001+01:00

(L'Unità, 17 febbraio 2011)
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Passeggiando per Angouleme con Mattotti!!!

«Il fumetto è fatto di carta, di libri. La voglia di toccare la materia, di perdersi nell’immagine sono strettamente legati a questo mezzo di espressione» esordisce Lorenzo Mattotti entrando nel Musée de la Bande Dessinée d’Angoulême. E’ lì che ci ha dato appuntamento domenica, ultimo giorno del Festival Internazionale del fumetto che ha riservato molte sorprese quest’anno. Come la Palma d’Oro per il miglior albo vinta dall’italiano Manuele Fior e dal suo 5000 kilometri al secondo (Coconino Press, 2010).

«Personalmente apprezzo questo giovane talento che sperimenta tecniche diverse» commenta, «che è sempre alla ricerca della forma più adatta per raccontare le sue storie. Ad esempio nell’albo precedente (La signorina Else, Coconino Press), trattandosi dell’adattamento di un racconto di Arthur Schnitzler, rende omaggio ai grandi artisti della Secessione viennese. Ritroviamo così un tratto, riferimenti espliciti all’immaginario di Klimt o Mucha, per fare due nomi. Del lavoro premiato, che ha un sapore grafico che richiama l’Inghilterra degli anni Sessanta, ho amato in particolare la narrazione delicata e sensibile. Un fumetto che si può definire quasi un romanzo esistenziale».

Ma un segno che si evolve sempre non corre il rischio di non essere riconoscibile?

«In realtà, no. La personalità di un autore – quello che chiamiamo stile e che non è una formula data una volta per tutte – viene fuori molto lentamente. E’ un bene continuare a lavorare, ricercare modi di esprimersi sempre diversi. Significa avere la capacità di reinterpretarsi e di non ripetere forme vuote solo per un discorso di riconoscibilità che certamente è legato alla visibilità, che però ha soprattutto un valore commerciale».

E il significato del Gran Prix assegnato a Art Spiegelman?

«Un premio dovuto che finalmente è arrivato. Con Spiegelman ha vinto, di nuovo, il fumetto d’autore e di ricerca, quello che non si tira indietro nemmeno di fronte alla riflessione su di sé come linguaggio specifico. E Spiegelman, con il suo essere autore, studioso e divulgatore, ne è la perfetta incarnazione».

Questo ci dà l’occasione per tornare a parlare del Museo. Quali sono gli elementi che lo rendono così interessante?

«Mi sembra che dia una risposta soddisfacente alla domanda: come esporre il fumetto? La modalità di presentazione è sì orientata alla divulgazione, permettendo una fruizione completa e soddisfacente del materiale. Le tavole originali non sono semplicemente appese ad un muro. Ci si può avvicinare alle teche in modo da apprezzare meglio il tratto delle matite o delle chine, cosa importante per un addetto ai lavori. Ma al tempo stesso non è tutto basato sull’originale. Ci sono stampe realizzate con cura e tutte di ottima fattura, i libri per i quali quei fumetti sono stati realizzati. Così anche il semplice appassionato può essere iniziato a tutte le fasi di realizzazione di un fumetto. Avessi avuto io la possibilità di disporre di tali informazioni quando ho cominciato a disegnare» aggiunge ridendo. «Mi ricordo che una volta sono andato da Bonvi a fargli vedere i miei disegni e lui, notando che tutte le scritte nei miei balloon erano storte, mi ha suggerito di disegnare delle linee parallele a matita. Una cosa semplicissima, a cui io non avevo semplicemente pensato».

La visita continua. Si passeggia tra gli altri visitatori, poi ci si siede in uno degli spazi dedicati alla lettura: divani colorati con dei tavoli rotondi vicino dove sono poggiati albi illustrati che possono essere liberamente consultati. Ed è lì che Lorenzo Mattotti ci mostra le prove di stampa del suo prossimo libro: l’Huckleberry Finn che ha disegnato quando aveva 23 anni e che è stato pubblicato, ma poi mai ristampato, dalla Ottaviano Editore nel 1978.

Quando lo troveremo in libreria?

«In Francia uscirà la prossima primavera con Gallimard. In Italia vedremo».

Tornando ad Angoulême, cosa hai trovato più interessante?

«C’è la personale dedicata a Dominique Goblet. Apprezzo molto il suo modo di disegnare. Ogni tratto esprime forza, permette di vedere il lavoro muscolare che ne è all’origine. Ogni segno è come un istante della sua vita messo in pagina e la narrazione che ne risulta si confonde con la vita stessa. Poi c’è la mostra sulla Nouvelle Bande Dessinée belge francophone, di cui la stessa Goblet fa parte. Li ho conosciuti anni fa, durante un seminario, quando erano ancora tutti studenti alla scuola di Sant-Luc di Bruxelles. Insomma, li ho visti nascere, crescere e distruggere con metodo e rigore la narrazione classica del fumetto e i suoi codici, sconfinare in altri territori più prossimi all’illustrazione e alla pittura. La mostra riassume bene questo loro percorso».

D’altra parte l’arte contemporanea scambia oggi così tanti rimandi con il fumetto…

«Sì, ma mentre loro hanno portato avanti un lavoro all’interno del linguaggio del fumetto stesso, studiandone prima a fondo le regole per poi decostruirle, quello che mi infastidisce è che dall’altra parte si assuma solo superficialmente l’estetica della bande dessinée. Perché ormai è qualcosa di consolidato. La figura del pittore è quasi scomparsa e chi davvero lavora sull’immagine disegnata, chi ha il savoir-faire, non sono che gli illustratori, gli animatori e i fumettisti. L’arte contemporanea ormai è interessata ad altro: all’installazione, all’oggetto, allo spazio».
Silvia Santirosi

Il concerto illustrato

2011-02-25T16:44:00.000+01:00

Il 38esimo Festival di Angouleme e la cultura operaia. Intervista ad Alfred.

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(Via Pò, 19 febbraio 2011)

Otto disegnatori (Alfred, Charles Berberian, Tanxxx, Tebo, Matthieu Bonhomme, Merwan Chabane, Mathieu Sapin, Bastien Vivès) e un’orchestra musicale (quella d’Areski Belkasem): ecco i nomi del Concert de dessins di quest’anno. La mano traccia i primi segni su un foglio bianco e, nello stesso istante, le prime note riempiono l’aria. Comincia così lo spettacolo nel teatro di Angoulême, piccola cittadina francese che ospita da 38 anni il Festival del fumetto più importante d’Europa. L’edizione di quest’anno (dal 27 al 30 gennaio) è stata tutta all’insegna del rock’n roll e della riflessione sulla cultura operaia. E non poteva che essere così vista la presidenza di Baru (L’autoroute du soleil, Povere nullità, L’arrabbiato, Gli anni Sputnik, solo per ricordare alcuni dei suoi lavori), l’indiscusso maestro francese di origine italiana. Tante le sorprese. La più bella? La Palma d’Oro per il Miglior Albo vinta da 5000 chilometri al secondo (Coconino Press, 2010), novel graphic di Manuele Fior, giovane talento nostrano. Per non parlare del Gran Prix assegnato ad Art Spiegelman, mostro sacro della bande dessinée internazionale, autore di Maus (quest’anno festeggia i 25 anni dalla sua prima pubblicazione), in cui si confronta con la tragedia dell’Olocausto e con la figura del padre sopravvissuto ad Auschwitz.

Ma torniamo da dove siamo partiti, ossia al Concert de dessins, un prodotto tutto francese. Per un’ora o poco più, i presenti hanno gioito e sofferto con i protagonisti della vicenda racconta: il colpo di fulmine tra un wrestler e la compagna di un “signorotto” presente nel pubblico, l’amore “diverso” tra l’altro wrestler e il signorotto stesso. Entrambi coronati da un tenero happy end. Ne abbiamo parlato con Alfred che ormai è un veterano della squadra. E, del giovane talento francese che vive da due anni a Venezia, è stato appena pubblicato il volume Octave (Tunué, 2010) che riunisce la serie di fumetti per bambini realizzata insieme a David Chauvel.

Quando nasce l’idea del concerto illustrato?

“L’inventore è Zep, il creatore di Titeuf. Quando è stato presidente della 32esima edizione del Festival di Angoulême, ha avuto l’idea di mettere insieme musica e fumetto, due arti strettamente legate. Dal 2005, quindi, ogni anno si cerca di dare vita a un nuovo progetto”.

Come si arriva al prodotto finale?

“Due sono le fasi di realizzazione. Scelto il gruppo che dovrà suonare, viene scritta una storia – quest’anno da Charles Berberian – e decisi i brani. Quando questo materiale è pronto, viene passato ai disegnatori che lavorano sulle immagini. Due giorni prima del concerto tutta la squadra si ritrova insieme per un momento di confronto ed è a questo punto lo spettacolo comincia a prendere forma. Una forma che non è mai definitiva, però. Perché il fatto che tutto si svolga in diretta e in presenza di un pubblico, a volte impone cambiamenti imprevisti”.

L’improvvisazione gioca quindi un ruolo fondamentale.

“È così, anche se sul palco dobbiamo far finta di avere tutto sotto controllo. Anche se a volte proprio non sappiamo dove stiamo andando e come sarà la prossima vignetta. In più, quest’anno abbiamo sperimentato una nuova modalità che personalmente ho trovato più divertente e fonte di una grande energia creativa: c’erano due tavoli sul palco e noi facevamo continuamente avanti e indietro. In quattro o cinque abbiamo lavorato insieme a ogni immagine. Di solito, invece, ognuno realizzava una vignetta e ci si alternava all’unico tavolo in scena”.

E alla fine, cosa resta? Avete mai pensato di pubblicare i disegni così realizzati?

“No, non sarebbe possibile. E non avrebbe senso. L’obiettivo non è fare un bel disegno. Siamo in cinque sullo stesso foglio e abbiamo a disposizione solo tre minuti. Sbagliare fa parte del gioco e la cosa davvero importante è riuscire a far vivere le immagini in modo da comunicare qualcosa al pubblico in teatro. Divertimento e scambio di emozioni: ecco il vero obiettivo”.

Silvia Santirosi

Un gigante del fumetto italiano

2011-02-22T12:41:00.000+01:00

(Via Pò, 19 febbraio 2011)

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“Un saper vivere e un sapersi muovere che io non ho mai rifiutato, ma nemmeno accettato”: così commentava Andrea Pazienza il no della sua casa editrice alla storia di Pompeo, alter ego invecchiato di Pentothal. Perché ricordiamo queste parole? Forse per non dimenticare che accanto all’artista, c’era l’uomo Andrea Pazienza. Vediamo perché. Nato tra colori, carta e tele, il padre era un superbo acquarellista, inizia a dipingere giovanissimo, smettendo altrettanto presto. “Non potevo accettare” racconta ancora in un’intervista, “che un mio quadro di denuncia potesse finire nella camera da letto di un costruttore di Monte Silvano”. Dopo il liceo artistico e il periodo pescarese, Andrea si trasferisce a Bologna dove frequenta il Dams. Ed è in quegli anni che nasce quella specie di “vademecum dell’irrisolto, del non integrato”, testimonianza impagabile anche degli anni della contestazione giovanile (tra l’altro mai attuali come in questi giorni). Il protagonista di quelle storie è proprio Andrea-Pentothal, incarnazione dell’incapacità a vivere il malessere, scisso tra realtà e sogno, con quel senso oscuro di persecuzione che spinge fino all’autodistruzione. Nell’estremo tentativo di evitare lo spettro del conformismo. Umberto Eco prima, Hugo Pratt poi, danno la loro benedizione a queste tavole. Videro così la luce Le straordinarie avventure di Pentothal (Fandango, pp. 138, euro 20,00) che la casa editrice romana pubblica in volume con un’introduzione di Enrico Palandri. Storie di ordinaria quotidianità dove ai coinquilini, ai compagni (di università o di collettivo), alle donne, anche quelle con il becco d’uccello, si mescolano personaggi come Buffalo Brill, il generale George Armstrong Custer, Don Chisciotte e Sancho Panza. Squarci di normalità alternati a visioni metafisiche, il tutto condito da mille riferimenti all’arte con la A maiuscola (da Klimt alla pittura metafisica, solo per fare un paio di esempi). Ecco allora file all’ora di pranzo fuori dalla mensa universitaria che fanno da contrappunto a distese desertiche o giungle che si perdono all’orizzonte. “Vedi se vedi la fine. La vedi?” urla da un balloon una voce fuori campo nell’ultima vignetta di una tavola. Filosofi e profeti hanno predicato nei secoli che il senso di qualcosa si legge attraverso e alla luce della (sua) fine. “Sempre si paga uno scotto, ogni suo piacere ha un prezzo. Il prezzo di una corsa a piedi nudi sulla battigia è un letto pieno di sabbia” leggiamo in un’altra storia. Quello della libertà, forse è la vita. Un prezzo che Andrea Pazienza ha pagato in contanti. La sua posizione di gigante del fumetto italiano, anche se con i piedi d’argilla (genio e fragilità, ahimè, si accompagnano spesso), ormai è consolidata. Meno quella di artista colto e raffinato. E questo libro può essere “utile” in questo senso.

Piccola postilla conclusiva. C’è ancora chi pensa che il fumetto sia letteratura di serie B, magari per il suo linguaggio ibrido, né romanzo né pittura, ma non solo (varrebbe lo stesso discorso per la letteratura di genere). Si sa anche, però, che bisogna economizzare il proprio disprezzo, dato il gran numero di bisognosi. Proprio come insegnava Chateaubriand.

Silvia Santirosi

Il ruolo della fortuna nella vita degli uomini: Festival della filosifia di Modena del 2010

2011-02-16T22:30:00.001+01:00

(Via Pò, 20 novembre 2010)

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Creatività dell’imprevisto, teoria del rischio e tecniche della sua calcolabilità, tensione mai sanata fra norma e caso, azzardo e scommessa, viaggio e avventura: sono questi alcuni dei modi in cui è stato declinato il tema Fortuna, parola chiave dell’ultimo Festival di Filosofia di Carpi, Modena e Sassuolo, quest’anno alla sua decima edizione. Il fatto di vivere in un mondo dominato dall’incertezza, tanto a livello personale (precarietà lavorativa e sentimentale) che collettivo (tramonto degli orizzonti e delle ideologie, minacciato da forze soverchianti a livello finanziario o ambientale) rende una questione cruciale quella della sorte, favorevole o sfavorevole che sia, configurando lo statuto della contingenza come il banco di prova del rapporto tra possibile e necessario.

Fra le tante risposte formulate, due sembrano indicare un comune orizzonte di praticabilità. Stiamo parlando delle riflessioni che Massimo Cacciari, professore di Estetica all’Università Vita–Salute San Raffaele di Milano, ed Emanuele Severino, che insegna Filosofia teoretica nella stessa Università, hanno presentato e dibattuto con il pubblico nel corso di Possibilità, lectio magistralis del primo, Fato e libertà, quella del secondo. Un’interrogazione che, in entrambi i casi, parte dal linguaggio, depotenziato e consumato oggi dall’uso irresponsabile che se ne fa, nella convinzione che il nesso tra potere e sapere ne sia alla base. Ecco che “tanto più il sapere diventa difficile, complesso, inaccessibile” sostiene Cacciari nel suo intervento, “tanto meno l’agire potrà”. Senza contare che, argomenta Severino, “il modo in cui sono fatte le parole esprime una saggezza anteriore a quella che si manifesta nell’uso che se ne fa”. Ecco allora un andare indietro alla ricerca del senso di ciò che viene detto, operazione che non è solo esercizio glottologico ma tentativo di dare ragione dell’umano parlare, considerato esso stesso azione. “I concetti di fato, destino, sono da molto tempo in disuso” continua Cacciari, “sono stati scalzati da quello di puro caso e occasionalismo. Si tratta dunque di vedere se si possa trovare il modo di non abbandonare ogni cosa alla fortuna, senza tornare però a visioni di tipo provvidenzialistico. Sono convinto che si possa agire secondo un senso, pur non avendo nessuna idea a proposito di un significato generale del mondo e della storia”. Si dovrebbe tornare all’antica consapevolezza, di socratica memoria, insomma, a quel “sapere di non sapere”. Perché anche in una condizione sistemica d’incertezza si può decidere, tenendo ben presente quanto sia falsificabile e provvisoria ogni scelta. “Nell’attimo presente, quindi” conclude Cacciari, “la decisione può essere presa in base al principio del come se, a prescindere dal possesso o meno di una teleologia”.

Certo nulla è più pericoloso dell’ignoto e nulla è più salvifico di uno sguardo previdente che squarcia i veli del futuro e rassicura l’uomo. “Ecco che il mito, e in seguito le religioni” dice Severino, “cercano di inscrivere il dolore e la paura della morte in una cornice sensata che, anticipandoli, li rende sopportabili. L’avvento della filosofia cerca di combattere questa concettualizzazione dell’eterno (mitico o religioso che sia) che, mutandosi in fato, diventa più pericolosa di ciò che voleva sconfiggere in origine. Ma il senso profondo della liberazione” continua il filosofo, “sta nello scioglimento delle cose dal legame con l’essere e il nulla: ad esempio, quando un uomo nasce, esso si libera dal legame con il nulla e quando muore avviene la liberazione dall’essere. Sia il fato sia la libertà non sono altro che due modi di intendere l’oscillazione tra questi due poli. Ecco allora che non ha senso parlare di scelta, perché bisogna portarsi al di là di questi concetti”.

In altre parole, l’invito che rivolgono i due pensatori è quello di non subire o fuggire la crisi, ma di soggiornarvi ri-pensandola. E a testare la condizione umana dal punto di vista della sola condizione umana.

Silvia Santirosi

GUARDARE FUORI (Racconto pubblicato su L'Immaginazione)

2011-02-10T10:36:00.001+01:00

6 febbraio 2011

Torno da Parigi e trovo nella cassetta della posta il numero di dicembre della rivista L'Immaginazione.

Non mi sembra di aver mandato recensioni o altro...quindi la apro curiosa...chissà, mi avranno inserita nel loro indirizzario.

La sorpresa arriva a pagina 8.

Hanno pubblicato il racconto che gli ho inviato. La cosa più straordinaria sono però le due righe sotto i mio nome, in coda al testo:

"Silvia Santirosi è giornalista, scrittrice e poeta. La sua scrittura piace a Romano Luperini"

Ecco. Qui il cuore ha un piccolo sussulto.

Romano Luperini!!!

Era il 2009.

Esce per i tipi di Sellerio "L'étà estrema", piccolo e prezioso romanzo di Romano Luperini. La presentazione a Napoli del libro mi dà l'occasione di intervistare l'autore. E di conoscere di persona uno dei critici letterari più raffinati del nostro Belpaese.

Ecco il testo dell'intervista:

Intervista pubblicata su "Il Mattino" di Napoli il 6 febbraio 2009.

        In occasione della presentazione di L’età estrema avvenuta a Napoli (Istituto italiano di studi filosofici) il giorno 6 febbraio a opera di Felice Piemontese e Antonio Saccone, Silvia Santirosi ha pubblicato questa intervista. Se ne riportano alcuni stralci, con qualche piccola integrazione.
Silvia Santirosi:
        Questa narrazione è fatta di pagine di diario che, più che costruire una storia, ricostruiscono per frammenti il presente di un’epoca che sta cambiando. Un gesto ostensivo che cerca di indicare, alludere a qualcosa, senza dirla. Una scrittura visiva, impressionistica, descrittiva più che narrativa.
Romano Luperini:
        Per me la cosa più importante era descrivere certe atmosfere e situazioni emotive, mettere al centro l’intreccio fra la dimensione esistenziale e quella etica, il cui risultato tende a sfuggire alla scrittura saggistica. La questione che mi sta a cuore è il destino dell’uomo occidentale, espressione che torna anche nel sottotitolo della mia ultima opera saggistica, L’incontro e il caso. La genesi dei due testi è parallela e affonda le proprie radici in una riflessione sulla situazione successiva all’11 settembre. L’atmosfera del postmodernoso, il primato del linguaggio e della metaletteratura, dell’ironia, del citazionismo, della riscrittura sono venuto meno intorno a quella data; oggi si avverte più l’urgenza della realtà, della materialità dei fatti e della storia. Il mio romanzetto nasce anche da questa coscienza.
Silvia Santirosi:
         A proposto dell’urgenza della realtà, che cosa pensa del fenomeno del New Italian Epic?
Romano Luperini:
        Credo sia soprattutto una trovata giornalistica o una proposta autopromozione. E’ un’etichetta sotto la quale sono raggruppate esperienze troppe diverse. Non vedo cosa abbiamo in comune i Wu Ming e Camilleri, oppure i Wu Ming e Saviano. C’è un abisso e, in questo secondo caso, per esempio, a tutto vantaggio di Camilleri o di Saviano.
Silvia Santirosi:
        Nel libro si parla di un quadro di Kirchner, “Inverno a Davos”, che il protagonista va a vedere al Moma di San Francisco. Perché questa scelta?
Romano Luperini:
        Un quadro di Kirchner è in copertina anche di L’incontro e il caso. Ovviamente Kirchner è una mia passione. Nel quadro “Inverno a Davos” c’è un uomo, forse un vecchio, che trascina una mucca su un erto pendio, con grande caparbietà. Una sorta di ostinazione, o di resistenza, magari passiva, ma tenace. E’ una figura della vecchiaia del protagonista.
Silvia Santirosi:
        Ma il protagonista si autopresenta come superato, come se ogni azione ormai fosse impossibile…
Romano Luperini:
         Direi che nel libro c’è un pessimismo tragico, ma non arreso. Per esempio, il personaggio femminile, Claudine, sta lì a ricordarci che «bisogna far accadere qualcosa».
Silvia Santirosi:
        Ma Claudine viene invocata alla fine per aiutare il protagonista a sparire…
Romano Luperini:
         Claudine rappresenta il femminile, il grembo della nascita ma anche quello della morte. Può idealmente aiutare il protagonista a prepararsi, a farsi accogliere dalla morte. Quel poco di speranza e di positività che c’è nel libro è comunque affidato a lei. Non per nulla appartiene alla generazione successiva rispetto a quella del marito, Giorgio.
Silvia Santirosi:
        In effetti Giorgio è il perfetto rappresentante di una generazione «al di là della disperazione e della speranza».
Romano Luperini:
         Giorgio incarna l’ilare nichilismo della generazione cresciuta negli anni ottanta e novanta. Fortunatamente la fine della storia, il primato del linguaggio ecc. non mi sembrano più all’ordine del giorno. L’età della globalizzazione e del postmoderno apertasi negli anni settanta beninteso dura ancora, ma l’ideologia del postmodernismo, che ha accompagnato la nascita di questo nuovo periodo storico, mi sembra ormai superata.

Nelle Terre di Cancanna: #2 puntata

2011-02-09T19:02:00.000+01:00

Continua il viaggio "Nelle Terre di Cancanna"

(lo spazio dedicato alla letteratura per ragazzi del programma:)

Io e il mio collega, Riccardo Di Vanna, abbiamo avuto come ospite Alfred, talento francese che ho avuto la fortuna e l'onore di conoscere in dicembre a "Più libri più libri". Presentava questo libro (che è la riedizione di una sua serie per bambini realizzata con David Chauvel).

Il suo lavoro è incredibile e la qualità umana dell'artista è altrettanto rara e preziosa. Insomma, se non lo conoscete, ascoltatevi la puntata e poi correte a comprare i suoi albi!!!
E vi racconto un aneddoto...era il 2006, ero a Parigi e ho comprato in una libreria un fumetto che era un adattamente di un romanzo di Roland Topor: Café Panique (Charrette, 2004). Era scritto nelle stelle che incontrassi questo autore.

"Ho scelto di essere un’artista perché la mia vita sia il mio lavoro, per crescere insieme a quello che faccio". Alfred

Questi gli altri argomenti affrontati nella puntata:

- i dettagli, anche quelli che cambiano la vita, non si notano...SI SCOPRONO.

Germano Zullo, ill. da Albertine, Gli uccelli, Topipittori, 2010,

Certi giorni sono diversi.

Potrebbero sembrare giorni qualunque.

Ma hanno qualcosa in più.

Non molto.

Solo un dettaglio.

Minuscolo.

Di solito, non ci si fa caso.

Perché un dettaglio non è fatto per essere notato.

Ma per essere scoperto.

- la solitudine dell'unicità e il coraggio di credere e "lavorare" per realizzare i propri sogni:

Richard Bach, Il gabbiano Jonathan Livingstone

Chissà perché, la cosa più difficile del mondo è convincere un uccello che egli è libero? e che può dimostrarlo a se stesso, solo che ci metta un po’ di buona volontà? La libertà basta solo esercitarla. Ma perché? Perché deve essere tanto difficile?

BUON ASCOLTO!!!

baru: racconto la fame di vita degli adolescenti (L'Unità, 30 gennaio 2011)

2011-02-02T14:30:00.001+01:00

Il 38esimo Festival internazionale del fumetto di Angoulême non delude offrendo al pubblico che arriva da ogni parte d’Europa (e non solo) quattro giorni intensi: conferenze, concerti illustrati, esposizioni di grande qualità e la possibilità di incontrare gli autori amati, per farsi autografare il loro fumetto o magari incrociandoli per strada.
Perché è tutta la città a mobilitarsi per il Festival, a trasformarsi in un luogo di festa e condivisione. E a noi dà la possibilità di incontrare Baru, il maestro del fumetto francese, l’autore di successi come L’autoroute du soleil (Coconino Press) o Gli anni Sputnik (Kappa edizioni) che “rifiuta” la definizione di artista.

Non vuole sottomettersi alla logica che vede il fumetto confinato in una specie di serie B della cultura, un prodotto per adolescenti, eterni adolescenti e imbecilli. Le cose sono cominciate a cambiare a partire dagli anni Settanta, ci dice, e sebbene oggi il panorama sia molto diverso persiste questo pregiudizio. Una cosa che ci sorprende, visto che la situazione decisamente peggiore in Italia.
Baru si appassiona quando parla del fumetto che per lui è un’esperienza emotiva e sinestetica: per questo non si è mai preoccupato troppo del realismo dei suoi personaggi: è qualcosa che nasce dal suo bisogno di raccontare ciò di cui si è sempre nutrito, le sue esperienze di vita. Ci racconta che ama raccontare storie di adolescenti, di ragazzi, non perché abbia nostalgia di quel periodo dell’esistenza, piuttosto per il tratto caratteristico della giovinezza: «la fame di vita».

Una fame che spesso non viene soddisfatta e per questo genera mostri. Ad esempio, in Povere nullità (Coconino Press, 2010) la novel graphic che nasce dall’adattamento di un romanzo di Pierre Pélot, sembra quasi di ritrovare la stessa atmosfera di Fargo, il film dei fratelli Cohen: quella della discesa infernale nella banalità del male. «Esattamente di questo volevo parlare» commenta Baru.
«Occupandomi di una storia ambientata in una piccola realtà che vive un disastro industriale, dove non c’è più lavoro per nessuno, ho potuto sezionare l’impoverimento materiale che diventa morale, analizzandone fino in fondo la logica. Il male non è un’astrazione, ma qualcosa di reale legato al crollo di una struttura sociale, un comportamento umano che credo fortemente legato alla disperazione. I protagonisti cercano di fuggire al determinismo che li vuole confinati in una modalità precisa, sono vivi e vogliono vivere diversamente, e si trovano a scontrarsi con la violenza di tale sistema».
Un lavoro nero che non concede nulla alla speranza. Nessuno spiraglio. Una visione pessimistica che non appartiene però del tutto all’autore che ama definirsi un ottimista-pessimista. «Anche se credo alla bontà di fondo dell’essere umano» così spiega la sua posizione contraddittoria, «sono scoraggiato dall’osservazione delle condizioni nelle quali vive e, dunque, può esprimere la sua natura».
Il suo eloquio si appassiona. «Sono convinto, per commentare la situazione politica contemporanea, che quello di Sarkozy sia solo un momento. Passeggero. E lo stesso mi auguro per l’Italia di Berlusconi. Viviamo in una società ancora accettabile, ma anche fortemente a rischio».
E continua parlando della sua concezione antropologica. «Qualunque persona è capace del peggio, eppure l’uomo ha la possibilità di combattere questa tendenza. E può farlo con l’immaginazione che non è qualcosa di innato. Si sviluppa e cresce nel confronto con gli altri e rende l’uomo migliore. Il problema è quando non ci sono stimoli, quando barriere e chiusure impediscono questo».
Un pensiero che diremmo socratico. Un’annotazione condivisa da Baru che spinge il resto della conversazione sullo stesso binario. Ecco allora che Aristotele diventa il pretesto per discutere del legame tra la cultura e cibo. Anzi, per Baru, non si può parlare di cultura della classe operaia, e di cultura in generale, senza parlare di cibo, «il valore del quale» si dice convinto, «dipende molto dal modo in cui viene guadagnato. Facciamo l’esempio degli immigrati italiani e al loro rapporto con la polenta e la pasta.
La prima era un cibo più legato all’idea di povertà che, con il miglioramento delle condizioni economiche, è stato raffinato e via via sostituito dal consumo dell’altro alimento. Per questo il rapporto con il cibo, come viene scelto, preparato e presentato, ha un valore soprattutto culturale. è la traccia tangibile della sua evoluzione». Inciampiamo a ogni passo nelle origini italiane di Baru, il padre era marchigiano, e le stesse sono ben vive nella sua produzione passata e futura.
«Gli italiani» ci racconta, «sono un esempio di integrazione riuscita. Sebbene rital fosse in passato una parola dispregiativa per dire italiano (un po’ come crucco per parlare di un tedesco, ndA), oggi ha assunto una sfumatura di legittimazione. Io sono un rital» dice Baru ridendo. Perché questo? «Per il semplice fatto che gli immigrati che sono venuti dopo ne hanno preso il posto. Gli immigrati italiani si sono integrati perché hanno avuto la possibilità di lavorare.
Al contrario degli arabi, ad esempio, condannanti oggi all’emarginazione. In altre parole non c’è ragione sociale di inclusione». Non ci stupisce, quindi, che tra i progetti futuri ci sia anche quello di raccontare proprio la storia di una famiglia italiana fuggita durante il periodo fascista, della sua integrazione riuscita e del prezzo pagato per ottenerla. E Baru non ha dubbi sul titolo: Bella ciao. Non ci resta che sperare che il suo editore sia d’accordo.

Silvia Santirosi

El tren

2011-01-30T14:23:00.000+01:00

Era il 22 aprile 2006.

Quella notte è nato il mio primo nipote.

Quella notte il mondo ha dato il suo benvenuto ad Alessio.

La ricordo come fosse ieri. Appena uscita dal cinema ("Il regista di matrimoni", ndA), ecco il messaggio di mia sorella. Il miracolo che aspettavamo si era compiuto.

Quella notte ho fatto una promessa a quella piccola creatura. Il mio primo libro (per bambini) sarebbe stato suo. A lui lo avrei dedicato.

Oggi mantengo quella promessa.

El tren (OQO editora) è in libreria. Anche se tutto questo accade in Spagna. E non nel mio paese. Non in Italia.


"Para Alessio, una de la estrellas màs brillantes de mi cielo"

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¿Cómo puedo decirte que las personas que queremos se mueren, nos dejan y se van? ¿Cómo puedo decirte que el amor y la alegría forman parte de la vida igual que el dolor y la tristeza? (…) ¿Cómo puedo decirte todo esto, mi niña?

Entonces te cuento una historia.

En El tren, la pequeña protagonista debe hacer frente a la terrible pérdida de su madre. El padre recurre a un relato para ayudar a entender un hecho tan doloroso como natural.
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Ora i ringraziamenti.

(L'ordine è puramente casuale!)

Ringrazio Amalia. E' lei che mi ha raccontato il suo dolore. E' per lei che ho scritto la lettera che, anni dopo, si è trasformata in questa storia.

Ringrazio Chiara, il suo cuore che ha "ascoltato" davvero il mio racconto e le sue mani che hanno creato immagini tanto belle e delicate. Senza le sue pietre preziose, questa corona sarebbe stata molto più povera e ordinaria.

Ringrazio Marisa, Belén e tutta la squadra della OQO per aver creduto nella mia storia, per averla curata con tanta dedizione e passione. Per aver permesso a questo libro di vedere la luce.

Ringrazio Simone per la sua amicizia. E' anche merito suo (e diamo a Cesare-Simone quello che è di Cesare-Simone!!!)

Ringrazio te. Le nostre strade si sono divise, ma se ho ripreso a scrivere, se ho ricominciato a disegnare è anche merito tuo.

Ringrazio tutti quelli che - consapevolmente o inconsapevolmente - mi hanno dato qualcosa: un pensiero, un'emozione, una suggestione. E' la magia della scrittura. Niente si crea e nulla si distrugge, ma tutto si trasforma.

E' un libro. Carta, inchiostro e colori. Ma è anche una parte di me (e di Chiara, certo!). E' qualcosa di vivo, che si arricchirà delle emozioni, dei pensieri, delle risate e delle lacrime che saprà far nascere nei cuori e nelle menti di chi lo incontrerà.

Ora non è più (solo) mio. Ora comincia la sua avventura nel mondo.
Stanotte ho sentito la sua risata argentina.
Mi stava salutando.
Stava partendo per il suo viaggio.

Ti auguro tanta fortuna, piccolo mio.

Istantanee: è arrivato il booktrailer!!!

2011-01-25T18:11:00.000+01:00

Sono fiera di presentare il booktrailer della mia raccolta di poesie Istantanee (Edilet, 2008).
Un lavoro tutto al femminile, con il video a cura di Beatrice Miano e la voce di Serena Ventrella.
Ecco il testo della poesia letta:

PROVA

Prova a fuggire

nell’orizzonte

senza voltarti.

Prova a correre

sulla neve

senza lasciare impronte

prova.

Gli errori continueranno

a inseguirti

e alla fine ti mangeranno

ti rosicchieranno.

Come hanno fatto con me

che non ho mai smesso

di amarli

come figli.

Prova.

Un abbraccio che rende uguali

2011-01-17T13:35:00.000+01:00

Un bellissimo libro.
Apparentemente semplice. Sono apparentemente.
L'ho regalato a un'amica speciale, di quelle per cui daresti la vita, che sei sicura che non ti tradirà mai spezzandoti il cuore.
Magari un giorno le nostre strade si allontaneranno, così è - anche - la vita.
Ma oggi no, i nostri cuori si abbracciano. In modo sincero e onesto.
In modo vero.

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(Il Mattino, 16 gennaio 2011)
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«Perché non c'è nessuno al mondo come me?», è la domanda che Ben, piccolo protagonista de L'abbraccio - il libro di David Grossman illustrato da Michal Rovner - rivolge alla madre. I due stanno passeggiando sul finire di un giorno imprecisato in un luogo imprecisato, ma quell'interrogativo ha la stessa potenza d'urto di una bomba. Ferma di colpo il loro avanzare, apre un baratro e nello smarrimento del bambino il lettore vede riflessa la sua paura più profonda: quella della solitudine. Con la leggerezza che solo l'autenticità delle intenzioni riesce a donare alle parole, David Grossman arriva dritto al cuore della questione e del lettore. Con un semplice sillogismo: tutti gli «unici» sono soli, io sono unico, allora io sono solo. Inizia così un altro viaggio, quello sulla strada lastricata dalla disperazione del vuoto intorno a noi che, sorprendentemente (ma forse neanche troppo) conduce all'orgoglio di tale condizione e alla profonda empatia che si può scoprire per l'altro: nessuno mai sarà come me, ma l'altro potrà essere con me. E quale miglior gesto esprime tale concetto se non l'abbraccio? Non c'è fusione, ma l'intimità e la vicinanza che si crea, nello spazio e nel tempo, permette ai due esseri di sentire l'uno il battito del cuore dell'altro, di ri-conoscersi diversi eppur simili. Saranno i neuroni-specchio? Sicuramente condizione necessaria, ma non sufficiente. Serve, infatti, il desiderio di incontrarsi. Come quello che muove i due artisti nella realizzazione di questo piccolo capolavoro: David Grossman e Michal Rovner hanno infatti già lavorato insieme, si conoscono da tempo. Il loro «abbraccio artistico», permette all'uno di completare il discorso dell'altra. Un esempio per tutti: le parole dicono «sono un po' sola e un po' con gli altri» e le immagini disegnano una spirale, antico simbolo di legame tra le due estremità del divenire, del movimento della vita dell'uomo, dello stesso viaggio dell'anima dopo la morte. Un'ultima annotazione. Un luogo e uno spazio imprecisati, dicevamo all'inizio. Come solo quelli dell'anima possono essere. Appunto.

Rino Gaetano al Circolo degli Artisti

2011-01-15T15:15:00.000+01:00

Per questa domenica di Gennaio WI-FI ART vuole rendere omaggio ad uno tra i maggiori cantautori italiani, Rino Gaetano, nel trentesimo anniversario della sua scomparsa. Autore di canzoni graffianti e appassionate, paladino del Sud e degli sfruttati, nemico giurato di tutti i politici. Ha cantato un’Italia grottesca negli anni della tensione, ma la denuncia sociale celata dietro l’ironia delle sue filastrocche resta ancora attualissima.
Dalle ore 19.00 la Red Room ospiterà le tavole dei disegni di Andrea Scopetta tratti da “Sereno su gran parte del paese” edito da Becco Giallo.

A seguire dalle ore 20.00 la presentazione del graphic novel con l’autore e Luca Scornaienchi (autore e sceneggiatore di fumetti), con la partecipazione di Silvia Santirosi illustratrice e giornalista de ” Il Mattino ” e “L’Unità ” e Sergio Nazzaro giornalista ” Left ” “D ” di ” Repubblica” e scrittore per Fazi ed Editori Riuniti.

Nella Main Room dalle ore 19.30 la diretta radiofonica That’s all Folks con gli ospiti Tobia Lamare and the Sellers.

Alle ore 21.30 gli autori Andrea Scoppetta ( Becco Giallo ), Monica Catalano ( Disney, Mattel ), Luca Ferrara ( Round Robin ), Zelda Bomba ( MondoPOP Gallery ), Irene Servillo ( Cluster ), Scuola Romana dei Fumetti, Maurizio Di Vincenzo ( disegnatore Dylan Dog ), Giancarlo Caracuzzo ( Marvel e DC Comics) si sfideranno a colpi di matita per celebrare con i loro disegni Rino Gaetano.
Selezione musicale a cura di Soul Deep Crew (new soul hip hop jazz), il tutto come sempre condito dall’aperitivo Zinzer Food assaggi creativi a cura dello chef Gambero Rosso, Lorenzo Leonetti.

Nella vita succede anche che mentre sei con l'acqua alla gola con scadenze, mentre gli scatoloni - ancora tutti da riempire - ti guardano minacciosi, ti venga chiesto di partecipare a una presentazione. Che fare?

Andare, ovvio!!!

Ci si vede al Circolo degli Artisti.

2011-01-14T16:12:00.000+01:00

Nelle terre di Cancanna: un viaggio nella letteratura per ragazzi. 1° puntata.

Il 10 gennaio è iniziata la discesa “Nelle terre di Cancanna”…lo spazio di Aleph, come fu che il cagnolino rise dedicato alla letteratura per ragazzi. Io vi accompagnerò, novella Virgilio, alla scoperta di scrittori, illustratori, storie già raccontate e storie ancora da sognare e illustrate. E il nostro sarà un viaggio tra novità editoriali, alla riscoperta di classici, di maestri e di nuovi protagonisti.

Ovviamente sempre in compagnia del bravissimo Riccardo Di Vanna che ha aperto le danze parlandoci del libro di Jean Giono, L’uomo che piantava gli alberi.

Sicuramente vi starete chiedendo chi è Cancanna. Non dico nulla…per ora. Nella prossima puntata (quella del 7 febbraio) vi racconterò qualcosa in più.

Lunedì scorso abbiamo parlato di arte ed educazione. Lo abbiamo fatto con Giovanna Ranaldi. Restauratrice, illustratrice, animatrice del laboratorio d’arte per senza fissa dimora nello spazio polivalente “Binario95” alla stazione Termini di Roma. E lei ci ha raccontato la sua esperienza.

Siamo passati poi al suo libro, Qualcosa Galleggia (Edizioni Campass, 2009). Assolutamente da avere e da guardare…

Qualche informazione pratica.

Per conoscere meglio il lavoro di Giovanna, vi segnalo il suo sito www.giovannaranaldi.it

Quello del centro Polivalente “Binario 95” è invece www.binario95.it

Il resto della puntata è stato tutto dedicato al libro di Cesare Ghezzi, Il bambino e la sua arte. Novantanove tesi (Il melangolo, pp. 79, euro 16,00), un piccolo gioiello.

Nel post precedente l'articolo che ho scritto per L'Unità!

Per riascoltare la puntata, basta andare sul sito di Radiomeridiano12...o cliccare qua.

Il mondo in un disegno

2011-01-11T00:28:00.001+01:00

(L'Unità, 10 gennaio 2011)

Ne ha parlato anche Vittorio Giacopini nel corso del programma Pagina3 (Radio3). La puntata si può riascoltare in podcast QUI.
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Perché i più piccoli disegnano così? Qual è il rapporto tra vedere e pensare?
Un maestro elementare racconta la sua esperienza sul campo.

«Perché i bambini disegnano così?» si domandava Rudolf Arnheim nel capitolo “Sviluppo” del libro Arte e percezione visiva (1954). Per dirla in altri termini, prescindendo dalle abilità tecniche, dalla padronanza di strumenti e materiali, nel periodo dell’infanzia si disegna ciò che si vede oppure quello che si conosce? Qual è il rapporto tra vedere e pensare, tra creazione e conoscenza? Questo è il cuore dell’annosa questione, punto di volta su cui fare chiarezza: perché se si comprende il fanciullo, si capirà meglio anche l’uomo di cui lui non è che la promessa. Approccio che ritroviamo ne Il bambino e la sua arte. Novantasei tesi (Il melangolo, pp. 79, euro 16,00), una raccolta di riflessioni di un maestro elementare curata da Mario Gennari che fu suo alunno e che oggi insegna Pedagogia Generale e Filosofia della formazione umana all’Università di Genova.

Partiamo dall’uomo per arrivare al pensiero. Cesare Ghezzi insegnò dal 1958 al 1995 a San Quirico in Val Polcevera, piccolo comune vicino a Genova, alimentando la sua attività di educatore con un continuo studio e approfondimento teorico. Ne sono prova i rimandi e il confronto mai pacifico o pedissequo con le teorie di alcuni tra i più grandi pensatori del secolo scorso: Sartre, Arnheim, Merleau-Ponty, Wittgenstein, Gömbrich. Qualcuno è anche più antico, come Socrate. I suoi aforismi ne sono pieni e accompagnano le osservazioni maturate “sul campo”, quelle riflessioni nate dalla sperimentazione quotidiana. «Ciò che il bambino vede o che ha visto» leggiamo nell’aforisma n. 30, «si trasforma quando rievoca. Le immagini si caricano di nuove emozioni»; «ogni bambino» continua «costruisce così un suo mondo e con il disegno ce lo fa conoscere»: se ne deduce che l’attività pittorica è certamente uno strumento utile all’identificazione, alla comprensione e alla definizione delle cose, all’investigazione dei rapporti che le legano tra di loro e alla creazione di un ordine progressivo di complessità. Ma è anche, e soprattutto, un’educazione a pensare il cui fine ultimo è la costruzione di un metodo di relazione con il mondo esterno e interno che possa accompagnare il «processo di cambiamento, di sviluppo, di crescita, di maturazione e di trasformazione del bambino» (tesi n.10). Solo in quest’ottica è possibile capire una tesi (la numero 66) che afferma che il guardare abbia qualcosa in meno del vedere, intendendo il primo termine come il semplice atto percettivo e il secondo come già implicante un processo di riflessione. E continua: «vedere è meno di pensare. Pensare è meno di essere, ma è esistere davvero». Esistere, cioè vivere nella consapevolezza e nella libertà.

Resta da chiedersi quale sia il ruolo dell’insegnante. Cesare Ghezzi parla anzitutto delle caratteristiche che deve possedere: professionalità e intuizione a nulla servirebbero se non venissero accompagnate da delicatezza e rispetto, soprattutto verso tutto quello che il bambino non ha avuto ancora modo di conoscere (tesi 50). L’educatore deve, quindi, entrare in contatto e comunicare con la sua classe stabilendo un clima di fiducia. Ma questa è come la libertà: «bisogna darla per averla. La fiducia crea le condizioni per dinamizzare la comunicazione attraverso l’autenticità» (tesi 51). Ecco. È davvero (ancora) possibile seguire un tale orientamento? Sarà in linea con i Programmi Ministeriali? Di certo non con quelli fino agli anni Cinquanta che furono l’oggetto della tesi di Laurea del Ghezzi, discussa nel 1994. Perché quelli del 1923 abbracciavano la tesi idealistica (“i primi buffi tentativi del bambino con il disegno vanno rispettati e mai corretti”), quelli del 1945 la tesi positivistica (“i primi esperimenti vanno integrati con esercizi dal vero per modificarne via via le storture”), per non parlare di quelli del 1955 (che sono un confuso accorpamento dei primi due).

Un’ultima annotazione. Il libro possiede un’appendice che raccoglie alcune opere realizzate negli anni dai suoi alunni. Quale migliore compendio (visivo) di un’esperienza di grande valore, tutta da riscoprire? Dopotutto, quando a Thomas Moore chiesero di dimostrare l’esistenza della sua mano, il filosofo non fece altro che mostrare al suo uditorio il suo arto destro. Ça va sans rien dire.

Silvia Santirosi

Le perigliose avventure del corpo in viaggio attraverso la filosofia

2011-01-07T17:51:00.001+01:00

(L'Unità, 5 gennaio 2011)
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Indagine su corporeità, pensiero e l’impossibiltà del suo annullamento
Michela Marzano dalla colomba di Kant alla rivoluzione fenomenologica

di Silvia Santirosi

Mo e Ho sono due gemelli che vivono nel paese di Cento-case. Alla morte di Mo, trasformato dagli uomini-cavi in uno di loro, Ho cerca di liberarlo. Quando lo trova, spacca con un piccone la sua forma evanescente e, come una spada nel fodero, penetra in essa. Dalla loro fusione nasce Moho. E sarà lui a trovare la Rosa-amara, il fiore del discernimento, che il padre aveva chiesto ai due ragazzi come pegno per diventarne il successore. Una storia affascinante, raccontata da René Daumal ne Il monte analogo, che consideriamo particolarmente adatta a introdurre il tema dell’ultimo libro di Michela Marzano, La filosofia del corpo. Vediamo come.

Il testo attraversa trasversalmente il pensiero filosofico, prendendo in considerazione il rapporto tra anima e corpo (dal dualismo platonico al monismo di Spinoza; dal riduzionismo materialista alla rivoluzione fenomenologica), senza fermarsi però alla sola ricostruzione storica. Avvia anche una riflessione che argomenta in favore del superamento di un approccio per lo più dicotomico e antagonistico che finisce per gerarchizzare i due modi d’essere dell’esistente, stabilendo una supremazia della dimensione mentale su quella corporea. «L’essere umano è una persona incarnata» leggiamo nel testo, «senza corpo non esisterebbe; tramite il corpo è legato alla materialità del mondo». Un discorso che ricorda quello della colomba di Kant: l’aria oppone una resistenza che le sue ali devono vincere, ma senza l’aria l’uccello non potrebbe neanche volare. In altre parole, il mondo resterebbe lontano senza una materia che lo abiti, senza un corpo che lo assapori, lo annusi, lo guardi, lo percepisca e lo contempli, il mondo sarebbe inabitabile. E questo ciascuno lo può sperimentare quotidianamente. Per non parlare del fatto che l’agire, l’interagire con gli altri e l’ambiente (geografico, materiale, sociale) non è frutto solo di riflessione. Entrano in gioco, infatti, le emozioni, il desiderio, altro tema di ricerca caro alla filosofa, insomma l’affettività nel suo complesso. E con loro il corpo. «Eccolo, l’errore di Cartesio», scriveva qualche anno fa il neurofisiologo Antonio Damasio, «la separazione delle più elaborate attività della mente dalla struttura e dal funzionamento di un organismo biologico».

Ma perché è così cruciale una riflessione e un ripensamento dello statuto della corporeità? Perché, volenti o nolenti, i filosofi continuano a occuparsi della questione? «Ciascuno è il proprio corpo, essendolo» e al tempo stesso «ciascuno ha il proprio corpo, possedendolo»; ed è in questa ambiguità di essere e avere, di naturalità e costruzione culturale, di identità e genere, che l’uomo fa esperienza di Sé, del Mondo, dell’Altro nella dimensione della fragilità e della finitudine che oggi cerca di essere continuamente superata. Basti pensare alle diverse opportunità offerte dalla scienza e dalla tecnica contemporanee di intervento sul corpo: la chirurgia, più o meno estetica, l’attenzione all’alimentazione e l’allenamento fisico.

Eppure, «nonostante ogni tentativo di annullarlo, il corpo è sempre presente» scrive Michela Marzano nelle conclusioni, «pronto a tradurre in sintomi il disagio di chi cerca di farlo sparire». Ecco allora l’importanza di recuperare, di reintegrare non tanto la coincidenza tra il sé e il corpo (non serve ragionare come eroi omerici per i quali la bellezza fisica corrispondeva a quella morale), ma la coappartenenza di ragione e sentimento, Io e corpo, filosofia e poesia. Come i gemelli di Daumal, devono diventare tutt’uno se vogliono riuscire nell’impresa di trovare il fiore della vera conoscenza. E la stessa strada sembra indicare Michela Marzano.

Michela Marzano «La filosofia del corpo» pp. 108, euro 13,00 Il Melangolo, 2010

Anno nuovo, recensioni nuove e succulente novità!

2011-01-04T21:40:00.001+01:00

Eccoci qui.
L'anno nuovo è appena cominciato. E io lo inauguro con le ultime recensioni del 2010 pubblicate su Andersen. A gennaio spegnerò la prima candelina di collaborazione con la rivista...e quest'anno festeggeremo anche i nostri 30anni di esistenza...lei, come me, è del mitico 1981!!!
Anno che si annuncia pieno pieno...

Due le più grandi novità:

1. proprio domani va in tipografia il mio primo albo illustrato (storia mia e illustrazioni di Chiara Carrer). A fine gennaio sugli scaffali delle librerie...siete ansiosi di averlo?
Beh, dovrete andare in Spagna a prenderlo!!!
Perché, sì, il mio primo albo esce all'estero...ça va rien dire.
Per fortuna che si potrà acquistare su internet...e alla Fiera di Bologna...dove verrà presentato.

Prossimamente i dettagli.

2. il 10 gennaio la prima puntata di "NELLE TERRE DI CANCANNA" spazio del programma "Aleph. Come fu che il cagnolino rise" (RadioMeridiano 12) interamente condotto da me (ma sempre accompagnata dal mio bravissimo collega Riccardo Di Vanna) e tutto dedicato alla letteratura per ragazzi. Vi aspetto ogni primo lunedì del mese, dalle 18.15 alle 19.00! Sintonizzatevi su 97.5!

Ospite della prima puntata: Giovanna Ranaldi.

Pas mal comme début, n'est-ce pas?
E che questo 2011 sia pieno di bellezza, leggerezza e tanta tanta serenità.
Che - ovviamente - auguro a tutti i lettori di questo blog!!!

Quei ragazzi senza retorica nel buio della storia

2010-12-30T07:59:00.000+01:00

"La democrazia: ma se gli piaceva tanto [...], perché non l'hanno fatta venire prima?"

Questo chiede un bambino al suo compagno di giochi la sera in cui l'Argentina festeggia le prime elezioni libere.

Questo mi chiedo facendo una specie di bilancio di questo 2010. Democrazia: il miglior modo che l'uomo ha inventato per organizzare la sua vita civile, ma anche un sistema (in Italia ma non solo) in crisi...con un sistema partitico e una classe dirigente in cui non ci si riconosce più.

Eppure qualcosa si è mosso. Stiamo assistendo a un nuovo rinascimento civile? Le manifestazioni del 14 e del 22 dicembre sono segnali si qualcosa. Staremo a vedere cosa. Non è tempo di risposte, ma di porre le domande nel modo corretto.

Chiudo questo 2010 con un articolo è stato pubblicato su L'Unità del 19 luglio.

Così è cominciata la mia collaborazione con questo giornale. Nata da un incontro, qualche mese prima, con il suo Direttore: Concita De Gregorio. Una donna, una giornalista che stimo molto, un raro esempio di coerenza tra essere e apparire.

Oggi, preparando questo post, scopro che il giorno dell'uscita del pezzo, lei stessa ne aveva parlato nel suo blog. Questo succede quando si condivide una visione del mondo. E si lavora per "cambiarlo". Quantomeno "capirlo".

«Se è l'ispettorato stesso ad essere oggetto di perplessità: chi custodisce i custodi?». È curioso, ma è una delle domande che si fa un bambino di dieci anni nel libro di cui vi parliamo oggi in cultura: «I signori col berretto» di Hugo Paredero, la dittatura argentina raccontata da 150 bambini fra cinque a dodici anni. «I militari controllavano quelli che non erano militari, ma allora chi controllava i militari?». «Volevano molti soldi ed erano tutti maschi. Si vede che alle femmine i soldi non servono». Chissà se lo ha letto Michele Serra. I soldi servono anche alle femmine ma in effetti, lo scriveva giorni fa, nelle cricche ci sono solo uomini. Anche fra i golpisti da strapazzo, solo uomini miserabili.

Concita De Gregorio

19 luglio 2010

HUGO PAREDERO

“I signori col berretto. La dittatura raccontata dai bambini”

pp. 240, euro 12,50

Minimum fax, 2010

«Hanno fatto la tv a colori, tanti stadi e tante altre grandi opere per le infrastrutture, così il popolo poteva dire: “Vinciamo, vinciamo”» racconta Guido Diego González, 12 anni, «mentre c’era gente che spariva o che veniva torturata, e mentre tanta altra gente continuava a gridare: Siamo campioni del mondo!». Parole queste che si leggono ne I signori col berretto. La dittatura raccontata dai bambini (Minimum fax, pp. 240, euro 12,50), una storia dell’Argentina del golpe e del Programma di Riorganizzazione nazionale tutta particolare, (tra)scritta da Hugo Paredero dando voce a chi è, solitamente, inascoltato e invisibile coprotagonista degli accadimenti: l’infanzia appunto. Un vero e proprio documento di storia orale che, trasformando la memoria dei bambini in evento narrativo, la riscatta dalle astrazioni su cui gli adulti la appiattiscono e rinchiudono. Un’occasione che permette una valutazione della logica di costruzione dei discorsi e dei ragionamenti del mondo infantile e, per differenza similitudine o incrocio, un’analisi con quella del mondo adulto: ecco in azione le differenze di genere, il peso dell’educazione, familiare e scolastica, l’esperienza personale, esente o meno dalla violenza della storia, le strategie di conservazione o oblio della memoria.

L’idea nasce la notte del 10 dicembre del 1983. Mentre il giornalista festeggia nel ristorante Hermann di Buenos Aires le libere elezioni e il ritorno alla democrazia, gli capita di ascoltare i commenti di due ragazzini su quello che sta succedendo: «è arrivata la democrazia…» dice il primo, «ma se gli piaceva tanto» risponde l’altro, «perché non l’hanno fatta venire prima?». Il dado era tratto. Comincia subito il lavoro di raccolta: il colpo di stato militare, le migliaia di desaparecidos, un paese spaccato a metà (i colpiti e i salvati), la vittoria ai Mondiali del 1978, la guerra contro l’Inghilterra delle isole Malvine. Sono questi i fatti oggetto delle microstorie e dei commenti dei 150 bambini intervistati, 90 maschi e 60 femmine di età compresa fra i 6 e i 12 anni, di ogni estrazione socioeconomica. E da questo coro emergono delle precise linee interpretative. Prendiamo il caso di quei circenses senza panem descritti da González. «Mi sembra che i militari si ostinassero nel loro punto di vista di ammazzare e rubare e tenere allegro il popolo ignorante» continua «perché così non rompe le scatole e sta tranquillo»: lui, quella “distrazione” la legge come palliativo manipolatorio per un popolo messo in ginocchio dalla crisi economica e dalla disoccupazione, perché «con l’entusiasmo per il calcio, la gente si dimenticava il resto». «Io guardavo i Mondiali tutta contenta» racconta Ingrid Lorena Berman, 12 anni, «però c’erano tante madri che pensavano ai loro figli e si chiedevano: cosa gli starà succedendo? Certa gente si vedeva sparire i figli, e gli altri erano così occupati a tifare i Mondiali che non potevano fare niente». Ma di quello svago c’è qualcun altro che ne fa argomento per un’apologia: «fa bene alla gente distrarsi» dice Sebastián Emanuel Rizzitano, di 11 anni, «perché oggi andiamo tutti d’accordo. Significa che il governo militare non era poi tanto brutto», arrivando persino a celebrarli, i Mondiali, come tappa verso la riconquistata libertà, «fatti» dice Emilio Quiroz, 12 anni, «per avere un’Argentina democratica».

Quando ha cominciato, Hugo Paredero era convinto che i bambini avrebbero saputo interpretare la realtà meglio degli adulti. E per chiudere il cerchio, adesso si sta impegnando nella realizzazione di un documentario che raccoglierà nuovamente le loro voci, uomini e donne tra i 27 e i 35 anni. Sarà interessante vedere cosa emergerà dal cortocircuito fra le parole di un tempo e i fatti, le loro vite, di oggi.

Silvia Santirosi

22 dicembre, Università La Sapienza, Roma.

Buon Natale, Joyeux Noel, Merry Christmas, Feliz Navidad...

2010-12-27T17:34:00.000+01:00

E un altro Natale è passato...

Il mio non ha lasciato una scia di carte stracciate, di stomaci pieni e di sorrisi un pò forzati...me li sono passati a letto, con un'influenza intestinale di dimensioni apocalittiche. Ho passato tre giorni a dormire. E a sognare...cose belle e cose meno belle. Tutte loro, comunque, mi accompagneranno in questo anno che sta per cominciare...

Recensioni & co. Sempre su Andersen!

2010-12-24T19:06:00.000+01:00

In questo post si parla del gruppo SabaziaLug (http://www.sabazialug.org/) che tiene dei corsi di informatizzazione anche alle scuole elementari. Grandi ragazzi!!!

Eppoi ancora informatica, poesia e ...a voi il piacere di scoprirlo!!! Buona lettura.

La conoscenza dell'amore

2010-12-18T22:31:00.000+01:00

(Via Pò, 18 dicembre 2010)

Poesie per anime gemelle, un'antologia curata da Francesca Pansa

- L'illustrazione è un mio disegno di tanto tempo fa...

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Un lungo racconto d'amore nei versi di grandi poetesse e grandi poeti: è questo il sottotitolo di Poesie per anime gemelle (Newton Compton, pp. 334, euro 7,00) raccolta curata da Francesca Pansa. Due le sezioni che compongono questa antologia poetica tutta dedicata ai contemporanei: le "Fate Sapienti" e gli "Apprendisti Stregoni", uomini e donne che cantano l'amore dal punto di vista dell'amante o dell'oggetto amato, di entrambi o di nessuno. E due sono le cose che saltano subito agli occhi: il chiaro riferimento al calendario letterario, da lei stessa ideato nel 2003 e riproposto ogni anno con varianti e reinvenzioni, e l'idea di magia. Le considerazioni del poeta romantico Percy Bysshe Shelley sono state, infatti, la stella polare che ha orientato la rotta di Francesca Pansa, un percorso che non mancherà di risvegliare dubbi e perplessità nel lettore: quello meno iniziato alla poesia si troverà a confrontarsi con una specie di elenco telefonico, vista la totale mancanza di riferimenti biografici e critici riguardo agli autori. Quello più smaliziato non potrà fare a meno di notare gli illustri assenti e l'abbondanza di componimenti inediti.
Cos'è l'amore? chiede a Idò - il suo amato - nel componimento Ecc. ecc. la poetessa israeliana Dalia Rabikovitch. Facciamo un passo indietro allora e torniamo all'idea che si vuole veicolare attraverso questa antologia: amore come "innato bisogno o facoltà, forza potente" che invoca ed esige la sua anima gemella. Dunque un fatto di corrispondenze, più o meno segrete, e d'incontri di luoghi e tempi. Un'idea che, se si guarda ancora più indietro, richiama alla mente il mito che Platone fa narrare ad Aristofane nel Simposio. Il compimento dell'amore sarebbe, quindi, il ritrovamento della persona amata. Eros, il dio dell'amore, sarebbe motore di ricerca di ciò che già da sempre ci appartiene. Una visione certamente consolante, ma distopica. La raccolta in esame si apre con un componimento di Wislawa Szymborska, premio Nobel per la Letteratura nel 1996: "Che se ne fa il mondo di due esseri/ che non vedono il mondo?". E, infatti, nemmeno il dialogo platonico si ferma alle considerazioni di Aristofane: è il turno di Socrate che inizia a raccontare agli altri commensali gli insegnamenti diLa conoscenza dell’amore Poesie per anime gemelle, un’antologia curata da Francesca Pansa
Diotima, la straniera di Mantinea. Eros, figlio del dio Poros (l'espediente, la capacità di perseguire ciò a cui si aspira) e della mendicante Penìa (la povertà), sarebbe invece "un grande demone", ossia qualcosa che sta a metà fra gli dei e i mortali permettendo la comunicazione tra i due mondi. Una tensione rivolta all'Altro da sé, dunque, non alla propria semplice versione complementare e speculare. L'amore redime la carne, perché "unità della dispersione", ragione della follia del corpo. E la follia peggiore del corpo è la morte.
Ma ancora non c'è una risposta alla domanda, "cos'è l'amore?". Può la poesia insegnare la conoscenza sull'amore? Né le Fate né gli Stregoni hanno la risposta da offrire ai comuni mortali. Si sommano, si mescolano le voci, le esperienze descritte, i pensieri. E quello che resta, alla fine, è solo la parola: vuota per eccesso di significato e per difetto di vita.

AA.VV., Poesie per anime gemelle (A cura di Francesca Pansa), Newton Compton, Roma 2009, pp. 334, euro 7,00

Attraversamenti: Inaugurazione della personale di Fabrizio Carbone e Presentazione del suo libro: Selvaggia Susi

2010-12-14T23:21:00.001+01:00

Domani avrò il grande piacere (e onore) di partecipare come relatrice alla presentazione del libro scritto da un uomo per il quale nutro una profonda stima: Fabrizio Carbone. E' stato giornalista, è pittore e acquarellista di rara sensibilità, è scrittore. Qui sotto trovate tutte le informazioni. Accorrete numerosi!

I giorni nudi di Claudio Piersanti (L'immaginazione)

2010-12-13T21:21:00.001+01:00

Su L'immaginazione di dicembre è uscito il pezzo scritto per il libro di Claudio Piersanti, I giorni nudi (Feltrinelli 2010). La splendida copertina è del mitico Mattotti.
Buona lettura!
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Sul numero di novembre di Andersen

2010-12-11T10:41:00.000+01:00

"A cercar fortuna"

2010-12-07T03:15:00.002+01:00

Io la mia, di fortuna intendo, sono andata a cercarla a Parigi. Di ritorno dal Salon du livre et de la presse jeunesse, con gli occhi ancora pieni della vita e della bellezza della città che tanto amo, ripenso a un altro Festival, quello della filosofia di Modena, Carpi e Sassuolo, così diverso eppur così complementare. Almeno per me. Che resto "filosofa nello spirito".

Anche lì, mille esperienze e incontri: la promenade filosofica con Marc Augé, ad esempio. O la chiacchierata che mi porterà per quache anno a Parigi...chissà.

Eppoi ancora tanti libri, tanti dibattiti, tante idee...

Ecco il reportage pubblicato sul numero di novembre di Andersen.

La Compagnia del libro (TV 2000) - Radiazione di Stefano Jorio

2010-11-22T18:46:00.001+01:00

Comincia una nuova avventura...stavolta televisiva.
Come membro del "Club dei recensori" del programma "La Compagnia del libro" (TV2000), presento Radiazione, il libro d'esordio di Stefano Jorio.
Emozione, inesperienza e tanta voglia di imparare... ecco i miei nuovi compagni di viaggio!
Un grazie speciale lo dedico a Saverio Simonelli, non solo ideatore e conduttore del programma ma persona di gran valore che ha voluto dare una possibilità alla vostra giornalista "d'assalto"...
Avrà fatto bene???
Buona visione!

STEFANO JORIO

“Radiazione”

pp. 520, euro 16,00

Minimum fax, 2010

«Sarebbe il migliore dei finali: disidratato e distante». Comincia così Radiazione, il libro d’esordio di Stefano Jorio, prova coraggiosa e impegnativa, sebbene non perfettamente riuscita in ogni sua parte perdendosi talvolta nelle spire linguistiche e concettuali che crea. A Podgorica, capitale del Montenegro, c’è un fiume che taglia in due la città. Per passare da una parte all’altra sono stati costruiti due ponti: uno pedonale e il super moderno regalo dei russi percorribile anche da autovetture e camion. Leggendo questo libro, mi è venuto in mente lo strano fenomeno che ha reso famoso il primo. Se lo si percorre, soprattutto in giornate ventose, sembra quasi di oscillare insieme alla costruzione di pietra. Ecco, questa è la sensazione che si prova leggendo questo libro. La lingua usata disegna architetture, descrive luoghi imponenti, come il ministero nel quale è ambientato gran parte del romanzo. Una lingua che, al tempo stesso, registra la fragilità di quell’umano attraversare ciò che è assurdo e incomprensibile. Come a dire che, parafrasando un pensiero del protagonista, siamo la lingua che parliamo e il linguaggio se non respira muore. Ma per respirare ha bisogno di dimenticare le sue stesse regole. Così il ponte di pietra per farsi ballerino. Così il protagonista per restare vivo.

L’io narrante, neo assunto lavoratore fuori sede continuamente alla ricerca di una casa, con un trauma sentimentale alle spalle, viene catapultato in una realtà soverchiante, kafkiana per la violenza che regna incontrastata. Il tentativo di opporsi è destinato a fallire, le cose non cambiano, il sistema vince la guerra. C’è chi si piega, come Patrizia o Nicola che scendono a patti con il potere che li deruba della loro dignità, o peggio, come Carl, l’amico teologo e prelato omosessuale che riduce a trenta pezzi d’argento il valore di un’amicizia. C’è chi prova ad opporsi e viene espulso dal sistema, ostracizzato come Renata o Corrado, che finisce per lasciare il lavoro e tornarsene a fare il bibliotecario. E c’è infine chi è troppo sensibile, troppo intelligente per accettare un’ingiustizia così insensata, e si spezza: questo è il caso Giannina la pazza, con le sue scarpette rosa, o dell’ambasciatore barbone, figure quasi mitiche che vagano nel ventre del mostro, di questo mi[ni]stero che come il Labirinto di Creta nasconde una bestia nel suo cuore. Ma la battaglia più importante, quella di oltrepassare la linea d’ombra, di andare al di là dello specchio in quel superamento di se stessi per essere se stessi, non viene persa: si porta «la perdita e la ferita ormai incise nella trama del tessuto della propria esistenza. Consegnarsi finalmente agli eventi, rendersi all’accadere, esporsi alla radiazione. Miracolosamente incolumi, con un sommesso desiderio di nuovi attriti»: in altre parole, crescere, con una fine che è già inscritta nel principio, come la vita vera o semplicemente letteraria. Un romanzo di formazione, dunque, che aspira a raccontare la verità, quella della guerra e del petrolio, la verità degli amori perduti e della morte, la verità delle opere d’arte, una verità che «non è nelle cose, ma nella lingua stessa che ne formula l’esigenza». Con la profonda consapevolezza che le parole possono essere anche vanesie e irresponsabili quando non dicono, non esprimono. Forse per questo l’autore ha scelto quelle di Pier Paolo Pasolini e Leonardo Sciascia come eserghi. Radiazione, insomma, è il tentativo di mappare la realtà contemporanea con il preciso intento di distaccarsene, di affermare la propria estraneità dalla forma-mondo appena descritta, un abbozzo di critica sociale (e del potere) che va al di là della crisi dei trentenni e della coppia come effetto della società "liquida" e della precarietà.

Silvia Santirosi

Loop n. 9: Piovono bombe

2010-11-18T18:26:00.000+01:00

Nuovo numero di Loop, nuova illustrazione. Il titolo? Piovono bombe.

A volte piovono bombe, a volte parole.

E con queste, a volte, di nuovo il sole.

MILLE VOCI (da Istantanee)

Piovono voci

[PLIN PLIN PLIN]

Piovono voci

[PLIN PLIN PLIN]

A mani vuote

[voci]

hanno chiesto tre denari.

Uno per la lussuria

Uno per l’alterigia

Uno per la furia.

Piovono voci

[PLIN PLIN PLIN]

Piovono voci.

Sulla testa

mille voci

arruffano capelli

pesanti ciascuno d’un pensiero.

[PLIN PLIN PLIN]

Mille voci nella testa

e un solo silenzio nel cuore.

[PLIN PLIN PLIN]

Ho ascoltato quel silenzio

mentre fuori piovevano voci.

[PLIN PLIN PLIN]

Ho capito.

Ho preso l’ombrello

e ho rinunciato al mio amore.

…

Ha smesso di piovere.

Ciak, 20 film dalla Croazia con amore

2010-11-15T15:19:00.000+01:00

(L'Unità, 14 novembre 2010)
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È il 14 aprile e sono le 20.30. Siamo a un passo dalla tragedia: un autobus di linea sta per scontrarsi con un camion. Moriranno otto persone e il conducente della macchina causa del disastro nemmeno si fermerà. H–8, uniche cifre della targa che un testimone riuscirà a leggere, è il titolo del film (1958) di Nikola Tanhofer che ha aperto «Immagini di una cultura in viaggio. Incontri con il cinema croato». Fino a oggi, il Cinema Trevi ospita la prima retrospettiva sulla settima arte della Croazia che attraversa ogni genere (fiction, documentario, musical e animazione), permettendo al pubblico italiano un’incursione nelle radici, nella cultura e nella storia di questo popolo. Da pellicole come Lisinski (nome del più famoso compositore croato del XIX secolo), realizzata dal regista Oktavijan Miletic durante l’occupazio- ne nazista, ai lavori della «Zagreb film» o «La scuola dei cartoni animati» (vincitrice nel 1962 con Surogat dell’unico Premio Oscar del cinema croato), appellativo che le fu dato da Georges Sadoul e André Martin durante il Festival del cinema di Cannes del 1958; dalle pellicole di Berkovic e Papic, esponenti della stagione della New Wave jugoslava, alle opere più recenti che parlano soprattut- to di guerra.
Prima annessa al Regno d’Ungheria e all’Impero Asburgico poi alla Repubblica Federale Socialista della Jugoslavia, la Croazia diventa indipendente negli anni ‘90 dopo dieci anni di guerra civile: un paese «ricco di contraddizioni e contaminazioni» dice la curatrice Tina Hajon, «una terra di frontiera con un territorio i cui confini sono stati sconvolti e ridefiniti diverse volte». E proprio dell’inizio del conflitto, quando le caserme croate erano ancora sotto il controllo dell’esercito jugoslavo che non ricono- sceva il nuovo stato, racconta Kako je poceo rat na mom otoku («Com’è iniziata la guerra sulla mia isola»), film del 1996 girato da Vinko Bresan in chiave comica, anche se la distanza culturale e l’impossibilità di cogliere i riferimenti a fatti e personaggi noti al pubblico croato rendono più fred-da la visione a quello italiano. Le prime due giornate di proiezioni hanno visto, comunque, l’avvicendarsi di corti sperimentali (come Prljavi mali mjehurici, «Bollicine sporche», una ri- cerca del 2008 sui rapporti interper- sonali e il tradimento), grandi classici (tra cui Rondò, un film del 1966 sui triangoli matrimoniali), animazioni (Maestro Koko, 1968, storia di un musicista che si ammala per aver mangiato troppi gelati e del Profes- sor Balthasar che parte alla sua ricerca), film contemporanei (Ta divna Splitska noc, «Quella bella notte a Spalato») vincitori di numerosi premi. In H-8 la pianista Alma spiegava il concetto di fuga musicale definendola un insieme di linee melodiche che si muovono tutte insieme verso il medesimo obiettivo. Come questi prodotti: diversi e tutti rivolti all’unico obiettivo di raccontare il mondo e le sue contraddizioni. Dal punto di vista croato, ovviamente.

Silvia Santirosi

Sorte di donna. Intervista alla filosofa Michela Marzano e una postilla

2010-11-09T18:52:00.000+01:00

Sono una donna.
Non è il miglior paese del mondo per esserlo, soprattutto in questo momento.
Certo, nemmeno il peggiore (basta guardare un pò più a est o a sud)...
E io sono fiera di essere donna, della mia ricerca (anche) delle parole per esserlo fino in fondo.

(Via Pò, 06 novembre 2010)

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Intervista alla filosofa Michela Marzano

"Ogni limitazione della scelta individuale", scriveva John Stuart Mill nel saggio L'asservimento delle donne, "priva la società di qualche opportunità di essere servita da competenti, senza comunque salvarla dagli incompetenti". Come a dire, con un motto di brillante ironia, che l'individuo, uomo o donna che sia, è un bene comune, la sua tutela e sviluppo condizioni necessarie al progresso politico e morale dell'intero corpo sociale. Poco più di un secolo è trascorso e molte sono state le conquiste, soprattutto sul piano giuridico, eppure, come cerca di argomentare la filosofa Michela Marzano in Sorte di donna, la sua relazione al Festival della Filosofia di Modena, se si continua a sostenere, in modo più o meno esplicito, che la donna dovrebbe accettare il destino che il corpo le impone o a far confusione su termini come uguaglianza, identità e differenza, si alimenta quel processo di regressione della condizione femminile a cui si assiste negli ultimi quindici vent'anni. Segni di questa involuzione sono soprattutto la riduzione della donna a corpo-immagine come unico modello pubblicizzato, e l'aumento delle violenze tanto fisiche quanto linguistiche, visibili nell'espropriazione del linguaggio e della stessa possibilità di parlare. Sarà un caso forse che di cinquanta relatori in questa edizione 2010, solo quattro sono donne (oltre alla Marzano, Elena Esposito, Maria Elena Scribano e Nicla Vassallo)?
Ormai quella dei Festival sembra diventata una moda...

Pur nella necessità di mantenere un equilibrio, non ha senso farne uno nuovo per ogni cosa, l'occasione offerta da questo Festival mi sembra un buon modo perché gli accademici escano dalla loro torre d'avorio e si confrontino con la gente. Ed è interessante vedere come le persone accolgono o meno quello che viene detto loro.
E, nello specifico, come reagiscono gli uomini alle sue argomentazioni?

Sono due i comportamenti che ho potuto notare parlando di questi temi. C'è chi tende a sentirsi chiamato in causa. Per loro parlare di donne, di uguaglianza e di dignità, il fatto di mettere in evidenza una serie di problemi, significa attaccarli. Allora si arroccano su posizioni difensive che si possono manifestare sotto forma di indifferenza o in maniera più aggressiva. Poi ci sono quelli che ascoltano con maggiore interesse e direi che sono soprattutto i più giovani. Credo ci sia quindi anche una questione generazionale.
Bellezza e silenzio sono due degli attributi del modello di femminilità oggi proposto. Cosa possono fare le donne?
Riprendersi la parola e ricominciare ad argomentare sulla scena pubblica.
Qual è il senso profondo di una riflessione sul corpo?

Rimettere in primo piano la dimensione dell'essere incarnato per sviluppare un pensiero che non sia disgiunto dalla nostra vita concreta, dagli affetti e dai sentimenti intesi come via d'accesso a ciò che resta opaco a livello razionale. Basti pensare ai lavori di Martha Nusbaumm. Credo che la filosofia si stia rendendo conto dei limiti di visioni che tendono a considerare l'essere umano
solo come agente razionale, disincarnato. L'essere al mondo, infatti, viene perso di vista quando si rimane su una dimensione troppo astratta. C'è da aggiungere che per troppo tempo alle donne, soprattutto per ragioni socio-culturali, è stato precluso l'accesso a un certo tipo di sapere. Ma quelle che hanno filosofato, penso ad esempio a Hannah Arendt, hanno certamente incluso nel loro pensare al mondo la dimensione della sensibilità.
Con l'approvazione del Senato francese del divieto di indossare il burqa, si riapre il dibattito anche in
Italia. Che ne pensa?
Penso che ciascuno dovrebbe potersi vestire nei luoghi pubblici come vuole, certo nel rispetto di alcune regole di sicurezza. Per quanto riguarda l'Italia, credo che vada rivista tutta la questione religiosa in termini di laicità, perché il problema dell'uguaglianza è anche quello di poter professare la religione nella quale si crede. In Francia, proprio in virtù di quel principio, viene praticata una separazione netta tra la sfera pubblica e la sfera privata che riguarda ogni confessione religiosa. Non così ancora nel nostro Paese.

Silvia Santirosi

Urbi et orbi di Giosuè Calaciura

2010-11-05T15:02:00.003+01:00

Così comincia la mia avventura come recensore e intervistatore...tre anni fa, con la collaborazione a Stilos (poi diventato Il Sottoscritto).

Ecco uno dei primi intervistati: Giosuè Calaciura, scrittore che stimo molto, con cui ho avuto la fortuna e il piacere di lavorare insieme a Fahrenheit (Radio3). Quella che vi propongo oggi è il pezzo scritto in occasione dell'uscita del suo libro Urbi et orbi (Baldini Castoldi Dalai, 2007).

Buona lettura!

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In Urbi et Orbi Giosuè Calaciura racconta la cosca luciferina di prelati che ordisce trame ai danni di Dio, attaccando, ostacolando, il custode delle chiavi del suo paradiso. Un «io nar-rante» che è la prima persona plurale, un Noi che non ha né un volto né un nome, realizza un gioco di specchi che confonde il lettore, catapultato, senza neanche rendersene conto, nel ruolo d’attore. È così che quel Noi diventa un luogo, il luogo di quella «prigionia preventiva in assenza di condanna» che è il mondo, un mondo che aspira a Dio, ma, al tempo stesso, soffoca nelle spire del suo attorcigliamento inautentico, senza speranza. Abbiamo intervistato l’autore.

Come nasce questo libro?

Era il 28 settembre 2003, il giorno dopo la prima «Notte Bianca» a Roma. La città era ancora senza elettricità a causa del black-out totale che il giorno prima aveva creato non pochi disagi al milione e mezzo di persone che vi aveva partecipato. Volendo sapere cosa accadeva fuori della mia casa, ho acceso una mia vecchia radio e, in quel silenzio innaturale, mi è arrivata una voce di animale vecchio. Non l’ho capito subito, ma quello che le mie orecchie avevano percepito come un rantolo era la voce del papa. Era l’agonia di un uomo anziano, un uomo che stava morendo, ma era chiamato a portare il dolore di tutti. Quello è stato l’atto di nascita di un libro giocato nel mezzo, tra la possibilità di raccontare la massima mondanità e il massimo della santificazione in vita.

«Ci perdemmo quando ci ordinarono sacerdoti ». L’apertura del romanzo suona come l’epitaffio della fede. Non c’è più spazio per la fede?

Certo che c’è spazio per la fede. Il problema è che c’è troppo poco spazio per la spiritualità. Bisogna fare una precisazione. C’è una differenza fra religione e fede, perché la religione è ciò che ha a che fare con i valori assoluti dove non trovano posto il dubbio, la possibilità. La fede invece è laica, reversibile. Si può credere nell’uomo, in un ideale o nella ragione, ma si può sempre tornare indietro. Considero dunque la fede come lo spazio della spiritualità, che manifesta quella necessità di trascendenza proprio dell’uomo, una necessità senza risposta, se non quella che noi stessi costruiamo vivendo.

Quindi, senza Dio non tutto è perduto, e proprio perché Dio tace, è l’uomo che deve far sentire la sua voce.

Sono assolutamente pessimista. Il gruppo di sacerdoti che immagino provenire dal Meridione italiano, dal mio Meridione, ha perso qualsiasi tipo di spiritualità e considera Dio alla stregua delle altre merci, un elemento di consumo, un fenomeno da baraccone. La cosa tragica è che hanno perso anche la loro identità, vivendo una condizione di contorcimento antropologico senza speranza.

Perché la prima persona, anche se plurale? E perché invece ne La figlia perduta sceglieva di parlare in terza persona?

La scelta e l’uso della prima persona è quasi manieristico. È come se gli stessi protagonisti, la stessa cosca affrontassero un altro indicibile: in Malacarne era la mafia, in Urbi et Orbi a farsi indicibile è la santità. Per quel che riguarda La figlia perduta, avevo invece bisogno della favola perché prevede una parabola aperta, una possibilità di redenzione. Aggiungiamo pure che è stato un lavoro commissionato da Amref e che mi ha visto conoscere persone per le quali provo un affetto che rendeva urgente il racconto. Avevo bisogno di distaccarmi. Ogni racconto di viaggio è un raccontare se stessi, un mettere sulla brace la tua identità. Poiché ho trovato un filo che lega il mio Meridione a quel Meridione. Quando sono arrivato a Kampala non mi sono sentito un estraneo. Lo slum è un luogo di degrado, di sradicamento, di identità che si scontrano. È molto più difficile raccontare ciò che si riconosce come familiare.

Quello che colpisce dei suoi romanzi sono lo stile e una specie di etica del fare.

Se c’è una speranza, è proprio quella della creatività della scrittura, del linguaggio. Non può fare nulla, anche perché, purtroppo, i numeri della letteratura sono quello che sono. L’importante, tuttavia, è il senso che lasci, è aver detto. Vivo, come altri scrittori, una situazione di marginalità perché la mia scrittura non può diventare una sceneggiatura cinematografica. Il mio tentativo è recuperare il valore della pagina scritta, fatta di grammatica, di sapienza nel costruire la frase, di ritmo. Oggi si tendono a scrivere sceneggiature. Ma le cose che si vengono raccontate entrano in una sorta di cortocircuito: si scrive sempre la stessa cosa.

Cosa pensa della cultura italiana di oggi?

L’Italia ha una grande colpa. Quella di avere chiuso gli occhi sul Meridione, sulla potenzialità culturale del Meridione, quasi privandosi di una gamba. Come ha fatto la cultura italiana a misconoscere uno scrittore come Michele Perriera, attori (e non solo) come Franco Scaldati, Aurora Quattrocchi (che ultimamente abbiamo visto nel film Nuovomondo di Emanuele Crialese). In Italia c’è un salotto dove si consumano le stesse cose, chi le consuma vi fa parte, chi non le consuma o ha un linguaggio diverso, è insomma un elemento di originalità, deve restarne fuori. Ma, come direbbe Zagrebelsky, è una pessima cosa per la democrazia, mettere di lato l’originalità, i contenuti minoritari, magari legati a situazioni spiacevoli.

Ad ogni suo libro potremmo associare un tema: a Malacarne quello della mafia, a Sgobbo quello della prostituzione, a La figlia perdutal’Africa, ad Urbi et Orbi il papato. Eppure tutti sembrano attraversati da una stessa tensione realistica.

Infatti. Tutti i miei libri parlano sempre della stessa cosa, di un’esperienza esistenziale. Sono diverse incarnazioni della stessa emarginazione dal mondo e, dall’altra parte, della stessa cattiveria del mondo. Sembrerà blasfemo mettere insieme una prostituta nigeriana e il papa, ma quello che mi interessa sono gli aspetti più profondi del nostro essere uomini. Non c’è uomo né donna. C’è l’essere umano che si confronta, combatte e, ahimè, perde nel suo stare al mondo, gettato dal cielo e raccolto dalla terra. In Malacarne è un morto che parla, perché i morti, ed i non-nati, hanno il tocco della consapevolezza. La parabola è quella del male e del dolore, però noi che stiamo dall’altra del foglio, proprio leggendo, siamo stimolati ad essere diversi e a dire no, consapevoli, al tempo stesso, del nostro limite, della morte, della nostalgia, delle perdite. Racconto storie di condannati, quindi, proprio perché penso di stimolare a scegliere.

Istantanee su RadioMeridiano12

2010-11-01T13:15:00.002+01:00

Capita anche questo.

Di finire in radio a parlare di Istantanee.

Un amico mi disse una volta che i libri sono come barche. Pubblicandoli, li affidiamo al mare.

Non abbiamo più nessun potere su di loro. Non possiamo far più nulla, solo lasciarli andare.

A volte, ci sono ritorni sorprendenti.

Come la telefonata di Riccardo Di Vanna.

"Ho pensato al tuo libro per la prima puntata del mio nuovo programma. Vorrei farti un'intervista. Che ne pensi? Hai voglia di intervenire?".

Visto che di solito le faccio io, le domande, sono rimasta qualche secondo in silenzio.
Che potevo fare, se non partecipare con entusiasmo?

Per conoscere le risposte, basta ascoltare oggi pomeriggio su RadioMeridiano12 (97.5) la trasmissione condotta dal giovane e bravissimo Riccardo Di Vanna a cui va uno speciale ringraziamento.
Spero sarete con noi ad Aleph. Come fu che il cagnolino rise.

Lunga vita a questo simpatico quadrupede.
E come ho scritto ieri a qualcuno, forse non la bellezza ma il riso salverà il mondo.

Non è un paese per giovani

2010-10-25T12:05:00.001+02:00

(Via Pò, 23 ottobre 2010)
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Perchè in Italia si fa fatica a diventare grandi, una ricerca di M. Iezzi e T. Mastrobuoni

C'è chi ne parla come di bamboccioni affetti da mammismo, chi li definisce gioventù sprecata nella loro condizione di funamboli senza rete. Certo è che, al di là delle definizioni e delle interpretazioni, i fatti non cambiano. L'Italia è un paese bloccato, profondamente cambiato rispetto a venti, trent'anni fa e soprattutto non è un paese per giovani. Lavoro, casa, possibilità di costruirsi un nucleo familiare indipendente da quello d'origine: sono tutti miraggi per la generazione "mille euro", quelli che hanno meno di quarant'anni insomma, mentre il paese continua a cullarsi sulle rovine del recente passato. Si potrebbe quasi dire che il futuro è un lusso da proprietari, parafrasando le parole che Sartre fa pronunciare al protagonista de La Nausea. Ma invertendo la prospettiva, perché il filosofo francese parlava in quei termini del passato.
Contro l'idea che tale situazione sia solo un fenomeno culturale o antropologico intervengono il giornalista ed economista Marco Iezzi e la giornalista parlamentare Tonia Mastrobuoni. Nel loro libro-inchiesta Gioventù sprecata. Perché in Italia si fatica a diventare grandi denunciano, dati e rapporti statistici alla mano, quello che definiscono un vero e proprio "dramma collettivo che ha radici sociali ed economiche". Vediamo come. Partendo dallo studio Difficoltà nella transizione dei giovani allo stato adulto e criticità nei percorsi di vita femminili, pubblicato dall'Istat nel 2009, si legge che "più della metà dei giovani abbandona la famiglia non perché ha trovato un lavoro soddisfacente e che gli garantisca un'autonomia, ma perché si sposa". Aggiungendo che la media è di poco più di un figlio per donna nonostante meno della metà lavori, è così confermata l'affermazione "donne a casa, culle vuote" del politologo Maurizio Ferrera che fotografa quel dramma dimenticato che è la questione femminile. Tutta italiana, perché all'estero ci sono esempi eccellenti, soprattutto Francia o Germania, di come politiche di conciliazione efficaci (asili nido, congedi parentali) innalzino i tassi di natalità. I due autori proseguono parlando della scuola, con il suo corpo docente mal pagato e vecchio e di quell'Università del 3+2, ormai non più egualitaria e non più accessibile a tutti, affetta da gigantismo con l'aumento del
numero dei corsi di studio e la proliferazione incontrollata delle cattedre. Si alzano cori di lamentela contro tagli e mancanza di fondi (spesso sono professori e rettori a manifestare il disagio, prevalentemente maschi e sempre più anziani), ma il punto è che i soldi sono soprattutto spesi per distribuire posti più che per fare ricerca e appena lo 0,4% viene investito in servizi agli studenti. E infine, last but not least, arrivano al tema del lavoro, teoricamente flessibile, praticamente precario con i suoi effetti estesi sulla vita del singolo. La necessità di una riforma degli ammortizzatori sociali che si trascina dal "pacchetto Treu" del 1997 e invece si continua a comprimere sul costo del lavoro per rimanere competitivi anziché investire in nuove tecnologie. Pregio di questo libro è l'analisi critica della realtà attraverso le lenti dei cosiddetti patrii baluardi (il mattone, il posto fisso, la scuola pubblica), l'affrontare le emergenze delle nuove generazioni con la competenza di chi non vuole suonare le corde del risentimento o della rassegnazione. Ne è il segno tangibile la sezione finale, tutta dedicata alle interviste. E dalle parole di chi ce l'ha fatta (dalla regista teatrale Emma Dante a Frida Giannini, direttore creativo di Gucci), degli emigranti (da Ugo Bot, dirigente Onu a Bassora, al Banchiere della Usb di Londra Roberto Isolani) emergono percorsi alternativi. Storie che hanno un comun denominatore: intraprendenza, attitudine alla mobilità, intellettuale e fisica, un ambiente nel quale crescere stimolante e generalmente facoltoso. Poi ci sono quelli che i due autori chiamano i "saggi" (da Margherita Hack ad Andrea Camilleri), quelli nati tra gli Anni Dieci e Trenta che hanno vissuto il Paese che non c'è più. E i pareri sono contrastanti. "Quando l'Italia si è rimessa in piedi" dice critico Mario Monicelli, "le persone hanno cominciato a non poterne più di sacrificarsi, di vivere con poco. E hanno voluto garantire le stesse comodità anche ai figli. Ed è così che siete diventati tutti mammoni". Sarà un caso che queste sono le parole che chiudono il libro?

Silvia Santirosi

Nuova recensione di Istantanee

2010-10-15T15:53:00.002+02:00

Nuova recensione del mio piccolo libro sul sito Il sommario
Si sta pensando anche di organizzare una nuova presentazione...sarete dei nostri?
____________Istantanea di ISTANTANEE

Silvia Santirosi è una giovane artista versatile e curiosa: sagace illustratrice, infaticabile blogger, vanta numerose collaborazioni con testate giornalistiche nazionali (Il Mattino, L'Unità, Via Pò e la rivista per ragazzi Andersen). Sensibile al fascino culturale transalpino, la Santirosi mescida sapientemente il suo umorismo puntuale e riflessivo con gli effluvi femminei di un' ars poetica intimamente autocosciente, volta a catturare, non catalogare, fotograficamente i risvolti sociali ed emotivi letteralmente impressi nella fluente quotidianità diacronica del nostro tempo.

Un tempo spaesante e solitario, tanto vorticoso da rasentare un paradossale immobilismo ermeneutico, quello catturato dalle pungenti Istantanee poetiche di Silvia, che espone le sue pulsioni ragionative a gustose sperimentazioni espressive, ad altalenanti possibilità manichee, piacevolmente in bilico tra affabulazione e svelamneto; respingendo la pericolosa omologazione massificata pur nel timore di un freddamente placido isolamento, la Santirosi indossa impertinente la sua miglior "maschera della domenica" salvo poi squarciarne il velo, con angelico sprezzo demistificatorio, sotto gli occhi di un lettore epifanizzato.

La dicotomia incostante fra interiorità estroflessa e percezione introversa dell' autrice, si concretizza nella programmatica cesura che sdoppia specularmente la sua raccolta poetica, consentendo a Silvia di scandagliare i polimorfi rapporti con l' altro da sè ; nello specifico, soggettivo oggetto di raffronto e indagine diventa l' uomo amato, anche a tratti dileggiato, tappa obbligata per l' incessante ricerca di autoaffermazione e autocoscienza individuale e civile.

Ma più di tutto, la Santirosi mette lucidamente a fuoco l' obiettivo artistico di una formale constatazione amichevole di trattabilità con l' intrattabile sfera pubblica, con i pilastri affettivi di una vita e con gli episodici rapporti collaterali da compromesso storico inevitabile:

"loro sentono l'odore, la puzza di cadavere della mia anima cartesiana. hanno fame. e da segugio a volpe, signori e signore, la battuta ha inizio"

Buona lettura

Francesca Fiorletta

Antonio Tabucchi, Il tempo invecchia in fretta, Feltrinelli, 2009 (Il Mattino 30/09/2009)

2010-10-14T10:52:00.002+02:00

Non possiamo lasciare che questa storia se la inghiotta la notte, dissi, per favore»: in questa frase è cristallizzato il senso profondo dei nove «racconti raccontati» che Antonio Tabucchi raccoglie ne Il tempo invecchia in fretta (Feltrinelli pagg. 176, euro 15), il suo ultimo libro. Storie di nefelomanti (coloro che prevedono il futuro, scrutando le nuvole), di protagonisti di un tempo che non c’è più o che non è mai esistito, di bambini logici in un mondo totalmente preda del caos o che conoscono «la cosa più bella del mondo» anche se, forse, non hanno un futuro. La strada che percorriamo nel tempo, scriveva Henri Bergson, è coperta delle macerie di tutto ciò che cominciavamo a essere, di tutto ciò che avremmo potuto diventare. Ed proprio questo che racconta lo scrittore: del passato, del presente e del futuro, reale o immaginato.

Che cos’è il tempo? E il tempo che invecchia? Qual è il legame con la nostalgia, sentimento comune a diversi personaggi?

«C’è un tempo storico e un tempo individuale, il tempo che è figlio di un patto sociale. Quello che credo si stia perdendo è l’idea di un tempo mortale. Non c’è più la misura del tempo, e si vive una ”futile immortalità”, quasi tascabile. E con esso viene meno la consapevolezza, la fermezza, nell’affrontare la quotidianità. Altra strategia in atto, la perversione del reale attraverso la sua negazione: se qualcosa non è successo, quando non è successo? Non è mai successo. E la nostalgia, quel contenitore vuoto che ciascuno ha la possibilità di riempire con la sua vita? Alla mia età credevo di sapere cosa fosse. E invece mi sono accorto che esiste anche una nostalgia ”del peggio”: come l’ebreo riparato in Israele dopo aver vissuto la Romania di Ceausescu che pure, alla fine della sua vita, desidera ardentemente la sua Bucarest. Ma questa nostalgia all’inverso può trasformarsi in una specie di muffa pestilenziale, diventare il prodotto di quell’incuria verso il tempo. Se lo si lascia invecchiare, questo finisce per uccidere, per condurre - di nuovo - alla tragedia. È necessario ritrovare degli orizzonti».

L’orizzonte è un «luogo ricorrente» della sua produzione letteraria.

«Desiderare, avere degli obiettivi, muoversi in una direzione: questo è un orizzonte. In un suo libro, un antropologo americano racconta questo aneddoto: durante il colloquio con un nativo, era in Africa, sono apparse delle zebre all’orizzonte. Indicandole ha esclamato: ”guarda, delle zebre!”. E il nativo ha risposto di no. È passato del tempo, gli animali si sono avvicinati al luogo dove gli uomini si trovavano e l’antropologo ha ribadito la sua tesi: ”ma sì, ora si vedono meglio. Sono proprio delle zebre”. L’altro ha risposto scuotendo la testa e aggiungendo: ”non ancora”. Ecco, l’orizzonte è quel non ancora che ci dà il senso e la misura di chi siamo».

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Che ci fanno cinquantasei bambini dietro le sbarre?

2010-10-14T10:36:00.000+02:00

(L'Unità, 13 ottobre 2010)

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Si chiamano Al Pacino, Esmeralda e Milena. C’è un’associazione che li porta fuori da Rebibbia, al Bioparco magari, o al circo. Normalmente però stanno dentro. In galera. Per colpe che non sono le loro.

Che ci fanno cinquantasei bambini dietro le sbarre?

Oggi è sabato. Alle sei del mattino i bambini che vivono con le loro madri nel carcere di Rebibbia sono già sve- gli. Perché il sabato è un giorno specia- le. Al Pacino, Esmeralda e Milena, co- me i loro quindici piccoli compagni, attendono l’arrivo dei volontari dell’Associazione «A Roma insieme», curiosi della meta che è stata scelta per loro: mare, Bioparco, circo o chissà quali altre avventure. Trascorreranno alcune ore insieme in spazi aperti, liberi di giocare e fare nuove scoperte fuori dalla dimensione carceraria che co- stituisce la loro quotidianità. Secondo la Legge Gozzini del 1975, infatti, le madri possono tenere in carcere con sé i figli fino all’età di tre anni. Come ha evidenziato, però, il primo studio italiano sulla condizione dei minori in carcere, condotto nel 2008 da medici dell’ospedale Bambino Gesù su un campione di 150 minori, la detenzione comporta dei rischi: il 20% risulta nato prematuro e molti sono stati svezzati troppo presto, con rischi di predisposizione a ipertensione e obesità. Senza contare la mancanza di stimoli adeguati, di esperienze relazionali e ambientali che influenzano la crescita di un nuovo essere in un periodo tanto delicato del suo sviluppo.

Per questo sono così importanti le giornate all’esterno o i laboratori di Musicoterapia e Arteterapia a cui i piccoli partecipano con le proprie madri. «Come sempre accade in un ambiente ristretto» ci racconta l’onorevole Leda Colombini, presidente dell’Associazione, «in carcere c’è grande difficoltà nella convivenza, nella conservazione di un clima armonico. La presenza di etnie, lingue e religioni diverse non facilita l’integrazione. È di vitale importanza lavorare per l’infanzia» continua, «perché significa fare un investimento sul futuro. Per questo ci battia- mo da anni perché nessun bambino varchi più la soglia di un carcere».

L’impegno dell’Associazione si manifesta anche nella denuncia della condizione «di incolpevoli reclusi» in spazi inappropriati di questi bambini e nella sensibilizzazione delle Istituzioni competenti a provvedere sia a livello normativo, sia operativo. Ne è un esempio Che ci faccio io qui? – I bambini nelle carceri italiane, la mostra-reportage visitabile dal 9 al 20 ottobre al Foyer Spazio Oberdan (Viale Vittorio Veneto 2, angolo piazza Oberdan) di Milano. Gli scatti di cinque fo- tografi dell’Agenzia Contrasto (Mar- cello Bonfanti, Francesco Cocco, Luigi Gariglio, Mikhael Subotzky, Riccardo Venturi) sono stati realizzati in altret- tanti istituti penitenziari. Marcello Bonfanti che si concentra sul rapporto madre-figlio, il legame, i giochi, lavorando con un bianco e nero espressionista e una luce quasi caravaggesca. Senza colore anche le foto di Francesco Cocco che con la particolarità dell’inquadratura, con la durezza e il graficismo dell’immagine, sembrano invitare l’osservatore a considerare la questione letteralmente «da un altro punto di vista». Ambienti, senz’anima, e volti, quasi senza corpo e luogo, sono invece i soggetti indagati da Luigi Gariglio. E non sembra un caso che l’unica bimba ritratta abbia gli occhi chiusi. Le immagini di Mikhael Subotzky ci parlano di aperture e chiusure e di interni ed esterni, sempre apparenti perché sia- mo comunque dentro il carcere. «Quello che volevo catturare» dice il fotografo Riccardo Venturi, autore del reportage nella Casa Circondariale Femminile di Rebibbia a Roma, «era proprio la sensazione di abbandono, di isolamento, della monotonia dei gesti ripetuti, sempre uguali a se stessi, giorno dopo giorno. La mia presenza è stata un forte elemento di rot- tura con tutto questo. Rappresentavo il mondo di fuori».

SENZA SBARRE VISIBILI

Un mondo che non deve voltare le spalle alla questione, anche se riguarda un piccolo gruppo. Sono, infatti, 55 le donne-madri e 56 i bambini in tutta Italia contro le 68.005 persone che compongono la popolazione complessiva dei detenuti. E qualcosa negli ultimi dieci anni già si è mosso. Nel 2001 (con la legge n. 40 dell’8 mar- zo), la legge Gozzini ha subito una modifica grazie all’approvazione di misure alternative come l’I.C.A.M. di Mila- no dove i piccoli vivono in un ambiente senza sbarre visibili, personale in divisa, le regole ferree di un carcere e tutti gli altri problemi connessi a questo universo, come il sovraffollamento. Ma non basta ancora. Ecco allora l’incontro-dibattito del 21 settembre scorso a Palazzo Valentini per mettere sotto osservatorio e valutare le volontà reali di intervento. Ad esempio riguardo il testo unificato proposto dalla Consulta penitenziaria del Comune di Roma, l’associazione «A Roma insieme» e la comunità di Sant’Egidio.

«Un documento che riunisce tre proposte» ci spiega Leda Colombini, «la prima a proposito della recidiva, che riguarda soprattutto le nomadi, perché non costituisca più ostacolo per l’adozione di misure alternative. Un punto molto importante tenendo conto del fatto che il 98% delle detenute-madri in questo momento a Rebibbia è costituito proprio da nomadi, solitamente ree di danni al patrimonio. La seconda prende in considerazione il caso in cui il bambino abbia necessità di essere ricoverato, prevedendo la possibilità di visita della madre in ospedale, anche se non al pronto soccorso. La terza si concentra sulla questione delle case-famiglia che, secondo la proposta presentata, dovrebbero essere gestite direttamente dal Comune. Sul modello dell’ICAM, ma rientrando nel sistema delle Autonomie locali e non in quello penitenziario, renderebbero anche più facile la gestione di un programma di recupero e reinserimento. Nel documento originario era previsto anche un quarto punto che riguardava le detenute extracomunitarie, per ripensare il paragrafo della Bossi-Fini secondo il quale quest’ultime devono essere automaticamente espulse dal paese dopo aver scontato la loro pena». Un primo risultato raggiunto è la nomina di un Comitato ristretto nella Commissione Giustizia della Camera incaricato di rivedere il testo che era già stato preparato per l’Aula e che sarà discusso in quest’ultima sede a metà ottobre. «Quello che mi auguro» conclude Leda Colombini, «è che prevalga la linea delle case di accoglienza, perché se va avanti quella delle ICAM significa che incar- ceriamo piuttosto che scarcerare. Così nel caso delle straniere: auspico che una prospettiva di inclusione prenda il posto di quella dell’espulsione».

Silvia Santirosi

Sul numero di Aprile di Andersen

2010-10-10T14:53:00.001+02:00

Cinema e totalitarismi: un modo per resistere

2010-10-04T17:31:00.000+02:00

Di nuovo l'illustratrice all'opera. Voilà l'ultima creazione.
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Esce con il nuovo numero di Filmaker's Magazine che potete trovare QUI.

Le chiavi della stanza segreta

2010-09-29T12:00:00.003+02:00

(Via Pò, 25 settembre 2010)

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Il doloroso carteggio tra i poeti Paul Celan e Ingeborg Bachman

È un'avventura dolorosa e struggente la lettura di Troviamo le parole. Lettere 1948-1973 (Nottetempo, pp. 331, euro 25,00), la raccolta di epistole che Paul Celan e Ingeborg Bachmann si scambiarono nell'arco di diciannove anni. Un dialogo a due a cui si aggiungono le parole di Gisèle Celan-Lestrange e di Max Frish, i rispettivi compagni, nonché un apparato di appendici che si compone di immagini, note, cronologie e della conclusione poetologica di Hans Höller e Andrea Stroll, due dei curatori dell'edizione tedesca.

Prima però di seguire qualunque linea interpretativa, ci si potrebbe interrogare sul motivo che spinge a leggere un epistolario. Le lettere sono un fatto privato tra due individui, uno scambio di pensieri, emozioni. Cosa può giustificare allora questo voyeurismo intellettuale, se non la peculiarità umana e letteraria dell'incontro tanto fecondo e sterile fra un ebreo-rumeno sopravvissuto a un campo di lavoro i cui genitori erano stati assassinati in un lager tedesco, e della figlia di un appartenente alla comunità nazionalsocialista? Penetrare nella loro stanza segreta, infatti, offre l'occasione irrinunciabile di mettere sotto la lente d'ingrandimento il punto di tangenza, il linguaggio di questi due mondi che si

parlano, che provano a comunicare e non ci riescono. Forse perché c'è un terzo interlocutore la cui presenza è tanto ingombrante quando silenziosa: il poema, la Poesia, la Letteratura. "Il poema" scrive Celan "tende a un Altro, esso ne ha bisogno, esso ha bisogno di un interlocutore. Lo va cercando; e vi si dedica". Ecco allora che questo carteggio, un "colloquio - spesso un colloquio disperato", rivela la

sua natura di doppio monologo fra sordi. "Quando noi parliamo con le cose a questo modo" continua il poeta, "sempre c'imbattiamo anche con il problema della loro origine e della loro destinazione: con un problema che - rimane aperto -, non sfocia ad alcuna conclusione, addita uno spazio aperto e vuoto - siamo ampiamente fuori". È il problema di Agostino: come poter contenere il mare - infinito - in

una mente umana - finita -? Ecco che si mescolano le voci, le esperienze descritte, gli immaginari, l'amore vissuto e quello pensato, a cui si sommano i difetti, gli egoismi, le debolezze di due creature sublimi nella loro fragilità, nella loro incapacità di appartenersi e di appartenere a questo mondo. E quello che resta, alla fine, è solo la parola: vuota per eccesso di significato e per difetto di vita. C'è chi dice che la vita si deve

viverla oppure se ne deve scrivere, chi invece sostiene che la scrittura sia vita potenziata. Per i due amanti, il linguaggio è lo spazio e il tempo per quell'amore che non fiorisce nella realtà, che anzi confonde i piani alterando lo scorrere dei giorni e l'alternarsi delle stagioni. In un aforisma pubblicato da Paul Celan sul quotidiano zurighese Die Tat nel 1949, scritto in un periodo di fascinazione per le brevi parabole oniriche di Kafka, leggiamo: "era tanto grande il suo amore per lei, che essa avrebbe potuto ribaltare il coperchio della bara di lui - se solo il fiore che vi aveva deposto non fosse stato così pesante": il fiore della possibilità dello scrivere dopo Auschwitz. Cercavano forse i due artisti il modo di fare dell'amore il movente del loro atto creativo e che fu invece la morte (quella il poeta che scelse gettandosi nella Senna), intesa anche come irrimediabile distanza. Due rette che correvano parallele ma che non potevano fare a meno di tendersi la mano, nell'illusione che nel punto, sempre mancato, del loro incontro avrebbero potuto salvarsi. Ma non c'è appello alla condanna di ogni esistenza, tanto più se segnata da un amore tragico. "La mia vita finisce, perché lui è annegato nel fiume durante la deportazione" dice l'Io con il mantello nero di Malina, il romanzo della Bachmann scritto nel 1971, "era la mia vita. Io l'ho amato più della mia vita". E c'è chi ha visto nell'incidente costato la vita alla donna, l'atto mancato di un suicidio.

I. Bachmann, P. Celan,

Troviamo le parole. Lettere 1948-1973, Nottetempo, Roma 2010, pp. 331, euro 25,00

Silvia Santirosi

Il numero di settembre di Andersen #2

2010-09-21T15:44:00.003+02:00